Testo in italiano in basso
Transcription of the conversation with Steven Tong
by Michela Alessandrini
Steven Tong is an independent curator. In 2005, he co-founded CSA Space, a project space on the first floor of a library in Vancouver’s Main Street. In this interview, he discusses his engagement in the local art community, the “zombie abstraction” and the role of multiculturalism in Canadian art.
Michela Alessandrini: Hello Steven Tong!
Steven Tong: Hi Michela!
MA: Could you please introduce us CSA Space in Vancouver and its engagement to the local art community?
ST: CSA Space was a project started by Christopher Brayshaw, Adam Harrison and myself, Steven Tong. We started almost 10 years ago, actually it’ll be 10 years in September, and it’s a very small space, maybe 9 meters long by 3.5 meters wide. It’s not a very large space but it’s a good for one idea, one project. We work with emerging artists, established artists; sometimes we curate together, sometimes we curate independently. We have always put independence at the forefront of our practice as a collective. Our simple curatorial thesis is that we show works that are representative of the curators’ own aesthetic judgments. Often a space such as ours, which has been around for ten years, would have maybe become a commercial gallery or a governmental-funded gallery. We decided to stay autonomous. For me, personally, a commercial space, an autonomous space, a funded space, everybody has limitations. It’s just about the trade off of what kind of limitations you like. There is certainly less bureaucracy for us, we don’t have to worry about writing a grant; we don’t have to worry about selling our works, how much work you have to sell every month, but the trade-off is that we have less money to work with.
And, so that means that we are focused on a very traditional idea of making an exhibition. Maybe for some people that’s very boring..
Actually, recently we’ve worked with more guest curators. That has been nice because actually for an upcoming project in November we will be working with 4 other government-funded gallery each, so one gallery will be doing a publication; another gallery will be helping to re-digitizing very old video works from the 1980s; another gallery will be helping to build the website. In a way it’s nice that we don’t necessarily need to do everything. We make the exhibition and then other galleries can also contribute to this project and also they can get the funding for it.
MA: And what about your program and your engagement in the art community?
ST: I think that when we started off, it was really the idea that we wanted to show that you could do a very interesting program of artists, without necessarily having to have a heavy administration. I am not too sure if you are familiar with what the artist-run culture is. Artist-run culture in Vancouver is very strong. There is more artist-run galleries than there are commercial galleries in Vancouver. And of course all of them do a good work, but also they do a particular kind of work. They allow for some more freedom from the market than commercial galleries but they also have their own constraints. I wanted to kind of provide an alternative, and also it was nice to see (and it’s not just because of the things we have done, which were certainly done by many people before us and there will be many people after us) but now there are 4-5 young artists groups who have also started to have galleries and who said “we don’t want to do that in the traditional way and to become an artist-run center. We already are an artist-run center even without the government’s money”. And I guess the other unusual thing about the gallery is that people who want to come to the gallery we never actually are there. They came to the bookstore – because the gallery is located upstairs of a bookstore, so people come to the bookstore, a very good used-bookstore and then they ask for the keys from the staff of the bookstore, they go up and spend as much time as they want, or maybe as little time to stay with the works. In some exhibitions people can spend 1 hour, 2 hours up there, or maybe just spend 5 minutes, 2 minutes and they don’t have to worry about been judged or talking to anyone, that’s the spirit of the work.
MA: How Canadian multiculturalism is reflected in the arts?
ST: In Canada?
MA: Yes.
ST: I think that, as we have spoke earlier, this is a very hard question and I would like to acknowledge that there are many others that could speak in a much more inform manner I will provide you some links. My own experience is that this is better reflected for artists than it is for arts administration. There is probably not enough people administratively, whether it’s curators, directors in the art system in Canada. There is an actual policy at the Canada Council level and actually at all funding levels to provide diversity. That means, reflects diversity, people of colour and also there is a separate programme for First Nations Aboriginal as well. That happens at the national level, at the provincial level, and at the city level. Those are all mandates and always across Canada you will find programs to help that. Living in Vancouver, which is actually a fairly Asian city, whether you are talking about East Asia (Japan, China) or South Asia (India), I still don’t see it reflected in the practitioners. And even sometimes I have to question whether it is enough to have somebody who looks Chinese or Aboriginal. It’s a difficult question because you can’t say “OK you are Chinese or East Indian and you should be interested in Aboriginal art or Chinese art”. But I am thinking to the failure of some of these grants to address or to bring in.. it’s not just a question of whether or not you have enough grants or whether or not you have these programs. In Vancouver I am constantly asking to South Asian community whenever I bump into someone “Why I don’t see more people who are East Indians in the arts and culture here in Vancouver?” There is a large population here, and they tell me times and times again “Many people here are lower caste, many people are Punjabi, many people here come from peasants so w´e don’t aspire to such things, we don’t aspire for our children to be artists”. So for me that experience really points out that these programs fail to address the ways in which class intersect with race and ethnicity And I don’t know what to do to address that but in my experience it is not addressed, even when I look at other curator of colour or aboriginal – I grew up in Vancouver’s downtown eastside at a time when it was poor neighbourhood – sometimes I can feel there is a class differences my colleagues and myself.
MA: If you had to describe the art tendencies in Vancouver, for example, like from the artistic point of view, what would you say?
ST: Vancouver is known for being the home of photo conceptual artists like Jeff Wall, Ian Wallace, Rodney Graham and it’s changing towards a more material practice, sculpture and painting and it is actually that somebody has called the “zombie abstraction”.
MA: Can you say something about the zombie abstraction? It is the first time I hear it!
ST: You’ve never heard this term?
MA: No.
ST: It applies to the works that younger artists are making in Vancouver, it applies to artists that are making a kind of work that looks like the work from the 1970s and of course there is some criticism that they lack a kind of content, of political meaning, they copy somebody else’s forms and ideas. That’s how I understand zombie abstraction. I’ve heard this term.. it applies to younger generations, they are making these abstraction works. I think of course in the 1950s if you asked many of the many of the artists of that time “Why are you doing this?” they would have said “because it’s about aesthetics!” and why it is not valid for young artists of this time to be making these kinds of works? Because they are interested in aesthetics. But that’s interesting that this called zombie abstraction!
Vancouver is also such a young city and as such it appears to lack a history. I say “it appears” because for someone who has grown up in Vancouver who has kept most of his life in Vancouver, I’ve come to know that there are many stories and histories and artists’ works that we would get taught. It’s not surprising that Vancouver has produced so many international artists. Because there are so many artists here! It is a very rich city in that way. I think I have posted something on Facebook 4 days ago. I was given a box of old magazines and in these magazines there were some posters from the 1970s, photocopies of different events in some spaces I’ve heard about for many years from older people in the community. The moment I put these posters online, suddenly all of my friends, especially the older ones, were super excited and started talking about the stories, and posted some messages like, “Oh I remember this how, I remember this”. Of course, when you try to look at on the web this space, which was so important during the late 70s to 80s, has no official history. But this apparent lack of history is also what lends the city this feeling that anything is possible, that you can do anything. And this is also why so many people have turned away from making photographs: the space for making photographs is all taken up.
MA: Why?
ST: Many of my younger friends who have studies photography said that it’s hard to make photography here when you have Ian Wallace and Jeff Wall and Rodney Graham.. it’s an hard place to make photography.
MA: Yeah, it’s like being an architect in Rome! Something like that..
ST: Something like that…!
MA:Thank you Steven.
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Traduzione della conversation con Steven Tong
di Michela Alessandrini
Steven Tong è un curatore indipendente. Nel 2005 ha co-fondato CSA Space, un project space al piano superiore di una libreria della Main Street a Vancouver. In quest’intervista ci parla del suo impegno verso la comunità artistica locale, dello “zombie abstraction” e del ruolo del multiculturalismo nel sistema artistico canadese.
Michela Alessandrini: Ciao Steven Tong.
Steven Tong: Ciao Michela!
MA: Puoi presentarci CSA Space a Vancouver e il suo impegno nella comunità artistica locale?
ST: Il CSA Space è un progetto realizzato da Christopher Brayshaw, Adam Harrison e me, Steven Tong. Abbiamo cominciato quasi dieci anni fa – saranno dieci anni il prossimo settembre, per l’esattezza! Non è uno spazio molto grande, è lungo nove metri ed è largo tre e mezzo, ma va molto bene per sviluppare un’idea, un progetto. Lavoriamo sia con artisti emergenti che con quelli più affermati. A volte curiamo dei progetti insieme e a volte in maniera indipendente.
Abbiamo sempre messo l’indipendenza al centro della nostra pratica collettiva. La nostra semplice teoria curatoriale è di esporre opere che siano rappresentative del giudizio estetico del curatore. In genere, uno spazio come il nostro, dopo dieci anni di attività, avrebbe potuto diventare una galleria commerciale o un centro d’arte finanziato dallo Stato, ma noi abbiamo deciso di rimanere autonomi. Personalmente credo che in ogni caso un centro d’arte, che sia autonomo, commerciale o statale, abbia dei limiti – dipende solo da quali compromessi e limiti si è disposti ad accettare.
Per quanto ci riguarda, sicuramente abbiamo meno burocrazia da gestire, non dobbiamo preoccuparci di scrivere progetti per accedere ai fondi o di vendere le opere. Il nostro compromesso per godere di questa libertà, è però di avere meno danaro a disposizione con cui lavorare. Ciò significa che ci concentriamo su un concetto espositivo più tradizionale. Forse per qualcuno questo può risultare un po’ noioso… A dire il vero, recentemente abbiamo lavorato con molti curatori esterni ed è stato bello.
Per il progetto che inaugureremo il prossimo novembre, lavoreremo con altre quattro gallerie finanziate dallo Stato: una galleria si occuperà delle pubblicazioni, un’altra si occuperà di ridigitalizzare alcuni vecchi video degli anni Ottanta, un’altra costruirà il sito del progetto.
In qualche modo è bello non doversi occupare di tutto; in questo caso noi ci concentriamo sulla mostra mentre le altre gallerie si occuperanno del resto e potranno anche ricevere fondi per il progetto.
MA: Cosa puoi dirci del vostro programma e del vostro impegno con la comunità artistica di Vancouver?
ST: Credo che la nostra idea all’inizio fosse di dimostrare che si può realizzare un programma espositivo interessante senza per forza avere una gestione impegnativa.
Non so se conosci la realtà degli artist-run culture… Si tratta di una realtà molto forte a Vancouver dove si contano più spazi gestiti da artisti che gallerie commerciali. Di certo tutti quanti portano avanti un buon lavoro ma con delle differenze.
Sicuramente gli spazi gestiti dagli artisti garantiscono una maggiore libertà dal mercato rispetto alle gallerie commerciali, ma hanno altri vincoli. Noi abbiamo sempre voluto offrire un’alternativa ed è bello vedere che adesso quattro o cinque gruppi di giovani artisti, che hanno aperto uno spazio recentemente, affermano di non voler seguire la tradizione e non intendono strutturarsi come centro gestito da artisti. Dicono, “noi siamo già un centro gestito da artisti, anche senza il denaro pubblico”.
Un’altra caratteristica inusuale della galleria è che non accogliamo personalmente coloro che vengono a visitarla. I visitatori arrivano alla libreria (il CSA si trova proprio al piano di sopra di una libreria antiquaria molto interessante) chiedono le chiavi dello spazio allo staff e possono trascorrere tutto il tempo che vogliono, tanto o poco che sia, con i lavori esposti. Le perone possono trascorrere nello spazio espositivo un’ora, due ore, o forse solo cinque minuti, o due minuti, senza preoccuparsi di essere giudicati o di sentirsi obbligati a parlare con qualcuno: possono semplicemente stare con le opere. Questo è lo spirito del lavoro.
MA: In che modo l’arte riflette il multiculturalismo canadese?
ST: In Canada?
MA: Sì!
ST: Come abbiamo detto prima, questa è una domanda molto difficile e credo esistano persone che potrebbero rispondere meglio di me – a questo proposito suggerirò alcuni link.
Secondo la mia esperienza, il multiculturalismo canadese si riflette meglio nelle comunità degli artisti piuttosto che tra coloro che gestiscono e amministrano l’arte.
Per esempio, nel sistema amministrativo canadese non ci sono abbastanza curatori o direttori. Esistono delle politiche a livello statale che sostengono e finanziano la diversità. Per esempio, ci sono programmi a sostegno della diversità, dedicati ai cittadini di colore piuttosto che agli aborigeni – e questo avviene a livello nazionale, provinciale e cittadino. In tutto il Canada, ci sono molti programmi in questo senso. Io vivo a Vancouver, una città con una comunità asiatica importante – soprattutto cittadini provenienti dall’Asia Orientale (Giappone, Cina) o dall’Asia Meridionale (India). Eppure non vedo questa varietà riflessa tra i professionisti. A volte mi chiedo se è sufficiente che una persona sembri cinese o aborigena… Insomma, è una domanda difficile, perché non è mica detto che una persona che sembra cinese o indiana si interessi all’arte aborigena o cinese. Se penso al fallimento di alcuni di questi finanziamenti destinati a coinvolgere le varie comunità che compongono il Canada, credo non si tratti solo di avere abbastanza fondi o programmi. Spesso chiedo alle persone che incontro nella comunità asiatica perché ci siano così pochi indiani nel mondo dell’arte qui a Vancouver. Loro mi rispondono che la maggior parte delle persone che sono qui vengono da caste piuttosto basse, sono Punjabi, oppure vengono dalle campagne e non aspirano che i loro figli diventino artisti. A mio avviso questi programmi falliscono nel comprendere in che modo le classi sociali possano interagire tra loro e con le nozioni di razza ed etnia. Non so cosa bisogna fare di preciso ma, secondo la mia esperienza, anche quando vedo curatori di colore o aborigeni sento che c’è una certa differenza tra i miei colleghi e me, forse perché sono cresciuto in un quartiere povero.
MA: Vuoi descrivere le tendenze artistiche di Vancouver?
ST: Vancouver è conosciuta per essere la patria di alcuni tra i più grandi fotografi concettuali (Jeff Wall, Ian Wallace, Rodney Graham) ma la situazione sta cambiando. I giovani artisti si confrontano sempre di più con la materia, stiamo andando verso la scultura e la pittura e verso quello che qualcuno ha definito il fenomeno dei zombie abstraction.
MA: Puoi dire qualcosa su questo termine, zombie abstraction? È la prima volta che ne sento parlare…
ST: Non hai mai sentito parlare di zombie abstraction?
MA: No…
ST: È un termine che si riferisce ai giovani artisti di Vancouver, artisti che stanno producendo un lavoro che assomiglia molto a quello degli anni Settanta. Viene criticato perché si dice che manchi di contenuto, di significato politico, che sia basato su forme e idee copiate da altri. Questa è la mia idea di zombie abstraction. È un concetto che si applica alle generazioni più giovani, che realizzano lavori astratti.
Negli anni Cinquanta, se avessi chiesto a un artista perché realizzava un determinato lavoro ti avrebbe risposto che era interessato all’estetica. Perché questa motivazione non può essere valida anche per gli artisti di oggi? Perché non possono realizzare anche loro questo tipo di lavoro? Anche loro sono interessati all’estetica. Ma è interessante che questo fenomeno oggi sia stato definito zombie abstraction!
Inoltre, Vancouver è una città molto giovane e sembra che non ci sia storia – dico sembra, perché coloro che nascono e crescono a Vancouver vengono a conoscenza di molte storie e del lavoro che ci hanno tramandato grandi artisti. Non sorprende che Vancouver abbia prodotto degli artisti internazionali, ci sono così tanti artisti qui! È una città molto ricca in questo senso.
Quattro giorni fa ho pubblicato su Facebook qualche poster degli anni Settanta che ho trovato in una scatola di vecchi giornali. C’erano fotocopie e immagini di eventi accaduti in alcuni luoghi di cui ho sentito parlare da persone più anziane di me nell’ambito della comunità artistica. Queste stesse persone hanno subito cominciato a commentare il mio post, a raccontare le loro storie, dicendo che ricordavano quella mostra, che ricordavano quel periodo. Quando cerchi su Internet informazioni su questi spazi, che erano così importanti tra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli anni Ottanta, non riesci a recuperare una storia ufficiale.
Questa apparente mancanza di Storia, produce nella città la sensazione che qui tutto possa succedere, la sensazione di una città in cui si possa fare tutto. E questa è anche la ragione per cui molte persone si sono allontanate dalla fotografia, perché lo spazio per realizzare fotografie è già stato occupato tutto.
MA: Cioè?
ST: Molti dei miei amici più giovani che studiano fotografia mi hanno detto che è difficile fare fotografia qui, sotto l’ombra di Ian Hallace e Jeff Wall e Rodney Graham… È un luogo difficile per realizzare delle foto!
MA: Un po’ come essere architetto a Roma!
ST: Qualcosa del genere, sì!
MA: Grazie Steven.
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