Yuko Hasegawa, Chief Curator of the Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT), July 9th, 2015.

Testo in italiano in basso

Yuko Hasegawa is chief curator of the Museum of Contemporary Art Tokyo (MOT), and curator of 2013 Sharjah Biennial 11. She has been co-curator of the 2010 São Paulo Bienal and of Mediacity Seoul in 2006. In 2001 she curated the Istanbul Biennial. Here she shares with us her insights on the post Murakami generation in Japan, mentions artists such as Daito Manabe and Kohei Nawa, and offers a preview of her upcoming show GLOBALE: New Sensorium, Exiting from the Failures of Modernization at ZKM | Center for Art and Media in Karlsruhe, Germany (Fri, 04.03.2016 to Sun, 07.08.2016).

Michela Alessandrini: First of all, if you had to describe the Asian and Japanese art scene in one word, what would you say?
Yuko Hasegawa: This is an interesting question. I just use this metaphor to describe it: the art scene seems to be composed by an iceberg, but underneath there is some kind of very hot magma. This magma is coming from the 1980s. The 80s in Japan were quite strong. They had a strong impact, both economically and globally. Nevertheless, they also had many limits, cultural limits. There were also a lot of contacts between subculture and high art.
Now many artists are returning to the 80s. Some of the artists are starting a connection with some functions of society: some of them are very concerned about infography, other artists are very interested in creating public spaces and working with architects. What we are facing now is a very interesting time in Japanese art.

MA: How would you describe the art scene now in Japan, how do you see the post-Murakami generation? What kind of artists would you like to suggest today? Artists you have worked with closely, recently…
YH: I would mention two artists. One is Daito Manabe, the founder of the collective Rhizomatiks. He studied computer programming and video art. He has a very strong concept and tries to realize it in a very radical way, through computer programming. For instance, he designed the stage-set for Perfume. Perfume is a techno-pop group renown worldwide. He made a very special stage design for Perfume: he only used drones with cameras, therefore drones were shooting their performance from the top. This was the beginning, four years ago.
He also made a system with a design application, he then distributed this application so that the audience could download it. He made a very special costume for Perfume. Perfume wear white costumes, individually made one by one. The audience can create designs on the costumes in the concert hall. They use a special design application to create their designs on each Perfume costume directly on stage. Everybody can participate in designing the singers’ costume. This system was very successful in the entertainment world, but it comes from very radical ideas.
For instance, he made a piece, named the “Traders” for my exhibition at MOT in 2013. “Trader” is an infographic visualization of trading and stock market data; he just connected real-life information from the stock markets, one by one. The information and the situation are constantly changing. He just designed a very beautiful moving infography in the museum space. This is an amazing situation: this is almost the secret part of the stock market, because it does rule the world, the economy and the governance. Those kinds of special and influential data have been shown on real time inside the museum, with an amazing infographic design. This will allow everyone to understand what happens in world economy, which company relates to which data and to which business. All this real-time information is visualized instantly. It is really beautiful.

The artist’s position is a neutral one, but his work-face is also very radical; his idea of an infographic world, the way he has managed to interpret the world, is quite impressive to me. He said that many traders came to see his work, one by one, and they were emotionally affected by these images. Sometimes the artwork and those kinds of outcomes and presentations affected the traders’ mind: that means that trade has been changing. That is quite interesting; this is a really radical effect.
The other artist is Kohei Nawa, a 40 years old sculptor, who founded a kind of Andy Warhol factory named Sandwich. He is not just making sculptures or paintings: he also designed some spaces and worked with Comme des Garçons; he also proposed a lot of artificial city planning projects. He is really growing.
Two things are interesting. He is just using new materials, transforming the new materiality. The artists who grew up in the media environment had a peculiar idea of what physicality is, but Kohei Nawa is really inventing a new language with materials, questioning the meaning of materiality, the message it should convey and its conceptual frame. Secondly, he has certain ideas about a very organic system. When he proposed the city planning, he also designed the theatre in the building, everything is very organically connected. It doesn’t focus only on artistic programs, but also on cultural programs as everything comes together. He is working on transformation and on organical connections. It is a new quality concept. It’s not a legitimate language, it’s more a kind of practice. It works very well. He is going to be a leading artist — not only in the art world but also in other general creative cultural business.

MA: I would like you to comment this sentence: “Knowledge doesn’t come from the West anymore.”  I was also reading the statement you wrote for the Sharjah Biennial 11, and I know that this is quite an important issue for you. I would therefore like you to comment on this.
YH: I would just quote my upcoming exhibition “Exiting from the Failures of Modernization.” The most problematic scene about Western modernization is that it’s much too focused on the subject, on the individual subjectivity. It is important not only to focus on individual subjectivity; it is more important to create a new relationship between human and non-human, between materials and non-materials. This means that sometimes humans can be connected to animals, to the environment, to robots. This means a very flexible idea of what subjectivity is. We are all part of the world, part of the environment. If you only focus on subjectivity, this brings to human centralization and this means a very egotistical structure. This leading modernization, led by Western subjective human oriented directions, caused a lot of problems, such as global warming or terrorist attacks. But it is not only conflicting with fundamentalism. The problem caused by modernization is more deeply rooted.
The artists coming from Asia or the Arab world — which means the Global South and which I selected for the Sharjah Biennial — are very much aware of what they had, originally, in pre-modern times. It means that they are thinking about their roots and those kinds of consciousness fields which used to be shared by people. It is not only that. Indeed, they are also very critical about the current situation and they bring up their own feedback on pre-modern times, while their cultural legacy permeates their contemporary interpretations and creations. This is a quite common element between the artists I’ve invited.

All images have been kindly provided by MOT and/or the mentioned artists

Yuko Hasegawa è curatrice capo del Museo d’Arte Contemporanea di Tokyo (MOT) ed è stata curatrice della Sharjah Biennale del 2013. È stata co-curatrice della Biennale di San Paolo del 2010 e di Mediacity Seoul nel 2006. Ha curato la Biennale di Istanbul nel 2001. Durante questa conversazione, Hasegawa condivide con noi le sue considerazioni sulla generazione di artisti post-Murakami in Giappone, cita gli artisti Daito Manabe e Kohei Nawa e propone un’anteprima della sua prossima mostra GLOBALE: New Sensorium, Exiting from the Failures of Modernization al ZKM di Karlsruhe, in Germania (dal 4 marzo al 7 agosto 2016)

Michela Alessandrini: Prima di tutto, vorrei che mi descrivesse la scena artistica giapponese e asiatica.
Yuko Hasegawa: Questa è una domanda interessante. Io uso sempre questa metafora per descriverla: la scena dell’arte sembra essere composta da un iceberg sotto al quale c’è un magma bollente. Questo magma proviene dagli anni Ottanta. Gli anni Ottanta in Giappone sono stati molto forti. Hanno avuto un forte impatto a livello globale ed economico. Tuttavia, hanno avuto anche molti limiti, limiti culturali. Inoltre, negli anni Ottanta ci sono stati numerosi contatti tra sottocultura e arte “alta”.
Oggi sono molti gli artisti che stanno ridefinendo gli anni Ottanta. Alcuni hanno iniziato a interagire con la società: ci sono artisti che si avvalgono dell’infografia, altri invece sono interessati a creare spazi pubblici e a collaborare con gli architetti. Il momento che sta vivendo oggi l’arte giapponese è molto interessante.

MA: Che cosa si può dire della generazione post-Murakami e dell’attuale scena giapponese? Quali sono gli artisti che suggerirebbe? Ad esempio, artisti coi quali ha lavorato, di recente…
YH: Vorrei citare due artisti. Il primo è Daito Manabe, fondatore del collettivo Rhizomatiks. Ha studiato programmazione e video arte. Le sue sono idee forti e cerca di realizzarle in modo piuttosto radicale, tramite la programmazione. Ad esempio, ha progettato e realizzato la scenografia per Perfume. Perfume è un gruppo techno-pop molto famoso. Lui ha creato una scenografia in cui i droni riprendono la performance dall’alto attraverso le telecamere di cui sono dotati.
Ma questo era l’inizio, quattro anni fa. Daito ha realizzato, inoltre, un sistema con un’applicazione grafica che poteva essere scaricata dal pubblico. Ha anche ideato un costume speciale per Perfume. I membri di Perfume indossano costumi bianchi, concepiti specificatamente uno ad uno. Usando quell’applicazione, il pubblico può intervenire direttamente all’interno della sala da concerto e creare un effetto grafico sui costumi dei cantanti in scena. Tutti possono intervenire sul disegno di questi costumi. Questo sistema ha avuto un grande successo nel mondo dello spettacolo, ma è frutto di un’idea molto radicale.
Ad esempio, Daito ha creato un’opera intitolata Traders per una mostra al MOT nel 2013. Si tratta di un’info-visualizzazione grafica dei dati dei traffici commerciali ottenuta collegando tutte le informazioni provenienti in tempo reale dai vari mercati. Le informazioni cambiano costantemente e il lavoro si modificava di conseguenza. All’interno dello spazio del museo, l’artista ha progettato una bellissima info-visualizzazione grafica mobile. È una situazione sorprendente: quella che viene messa in evidenza è una parte quasi segreta del mercato azionario e dei traffici commerciali che muovono il mondo, l’economia e la stessa governante politica. All’interno del museo sono stati rivelati al pubblico, in tempo reale, dati speciali e di grande influenza attraverso questo stupefacente dispositivo. Chiunque ha potuto capire che cosa succede nell’economia mondiale, quale impresa o azienda agisca su questi movimenti economici. Le informazioni venivano visualizzate in tempo reale. Questo è stato molto bello.
La posizione dell’artista risulta neutrale ma la sua interfaccia è radicale; stupefacente la sua idea di rappresentazione infografica del mondo. Molti uomini d’affari sono venuti a vedere il suo lavoro, uno ad uno, e sono rimasti emotivamente colpiti da queste immagini. Capita che l’arte e la sua presentazione riescano a influenzare anche gli uomini d’affari: questo significa che il commercio è cambiato. Questo è l’effetto radicale dell’opera d’arte.
Il secondo artista che vorrei citare è Kohei Nawa, uno scultore di quarant’anni, che ha fondato Sandwich una Factory simile a quella di Andy Warhol. Non lavora solo con la pittura e la scultura; ha progettato spazi, ha lavorato con Comme des Garçons, ha proposto progetti per città artificiali. È un artista che si sta affermando sempre di più.
Due sono gli aspetti interessanti nella sua pratica. Utilizza nuovi materiali e contribuisce alla creazione di una nuova materialità. Gli artisti che sono cresciuti nell’epoca dei nuovi media hanno una particolare concezione della fisicità; ma Kohei Nawa ha addirittura inventato un nuovo linguaggio con i materiali, interrogandosi sul significato della materialità, sul messaggio che deve trasmettere e all’interno di quale struttura concettuale. In secondo luogo, Nawa ha elaborato una sua idea di sistema organico. Ad esempio, il suo progetto di pianificazione urbana comprendeva anche il progetto di un teatro all’interno di un edificio, perché tutto deve essere organicamente interconnesso. Nella sua progettazione non si concentra solo sui programmi artistici, ma anche su quelli culturali più genericamente intesi, perché tutto nasce e si sviluppa insieme. Nel suo lavoro elabora la trasformazione e l’organicità delle connessioni. È un concetto nuovo di qualità. Il suo non è solo un linguaggio, ma una vera e propria pratica. Il suo lavoro funziona e sono sicura che diventerà un punto di riferimento non solo nel mondo dell’arte, ma anche in altre attività creative.

MA: Vorrei che commentasse questa frase: “la conoscenza non proviene più dall’Occidente”. Ho letto la dichiarazione che ha scritto per la Biennale di Sharjah 11 e so che questo è una questione importante per lei. Che può dirci a riguardo?
YH: Mi limito a citare il titolo della mia imminente mostra “Exiting from the Failures of Modernization”. Il problema della modernizzazione occidentale è che si basa troppo sul soggetto, sulla soggettività individuale. È importante non soffermarsi solo sulla soggettività individuale, ma concentrarsi a elaborare una nuova relazione tra umano e non umano, tra materiali e non materiali. Ciò significa che a volte gli esseri umani possono essere connessi agli animali, all’ambiente,  ai robot. Ciò implica un’idea molto più flessibile della soggettività stessa. Siamo parte del mondo, parte dell’ambiente che ci circonda. Se rimaniamo concentrati sulla soggettività, questo porta ad una centralizzazione dell’uomo e ad una struttura molto egoistica. L’idea vincente di modernizzazione, basata sul concetto tutto occidentale della centralità della soggettività umana, ha provocato molti problemi, come il riscaldamento globale o gli attacchi terroristici. Ma non è solo un conflitto verso il fondamentalismo. Il problema della modernizzazione è più profondo e radicato. Gli artisti che ho selezionato per Sharjah, provenienti dall’Asia o dal mondo Arabo – dal Sud Globale – guardano a quello che avevano in origine, in epoca premoderna. Riflettono coscientemente sulle loro radici e sulla conoscenza e consapevolezza che era condivisa dalle persone. Sono critici nei confronti della situazione attuale e forniscono la propria visione dei tempi premoderni. Inoltre la loro eredità culturale permea le loro interpretazioni ed elaborati contemporanei. Questi sono gli elementi che accomunano gli artisti che avevo invitato.

© radicate