Italian translation below
Natasha Ginwala is a curator, researcher, and writer. She is curator of Contour Biennale 8 (2017) and curatorial advisor for Documenta 14 (2017). Recent projects include “My East is Your West” featuring Shilpa Gupta and Rashid Rana at the 56th Venice Biennale; “Still Against the Sky” at KW Institute for Contemporary Art, Berlin, and “Corruption…Everybody Knows” with e-flux, New York within the framework of the SUPERCOMMUNITY project. Ginwala was a member of the artistic team for the 8th Berlin Biennale for Contemporary Art (with Juan A. Gaitán) and curated “The Museum of Rhythm” at Taipei Biennial 2012 (with Anselm Franke). From 2013–15 she led the multi-part curatorial project “Landings” presented at the Witte de With Center for Contemporary Art in Rotterdam, David Roberts Art Foundation in London, NGBK in Berlin (as part of the Tagore, Pedagogy, and Contemporary Visual Cultures Network), the Stedelijk Museum Amsterdam, and other partner organizations (with Vivian Ziherl). Ginwala writes on contemporary art and visual culture in various periodicals and has contributed to numerous publications.
Tiziana Casapietra: So Natasha, I’m very interested in your work and career. I would like you to tell us about the projects: Contour and your involvement in Documenta. But I would also like you to tell us about your vision of contemporary art nowadays. Because you are working in between two geopolitical areas, which is the Western world and the Eastern and the Western Asian world, I would like you to start with your vision of contemporary art, if you see similarities, or if you see diversities and your approach to contemporary art.
Natasha Ginwala: Thank you. It’s a lot to start with speaking about a vision, but of course it is the ground upon which we construct our ideas. For me, what has been important is that contemporary art is a unique language, in which a lot of complicated aspects of today’s reality, but also ways of history telling, can be brought to a kind of public mode of dialogue. I see the exhibition itself as an animated space in which various forms of knowledge can be brought forth.
I genuinely believe that the kinds of artist I have been working with also come from different worlds and different backgrounds. My approach is conditioned by these aspects. Working away from a geopolitical origin, so a sense that I would restrict myself to operating only in South Asia or only in Europe. I have tried to assemble a series of what I think are urgent responses that come from my part of the world, but that necessarily echo across greater distances. And it has been quite essential to then also think about knowledge systems where artists perform their ideas from very unique vantage points, from different disciplines: through research and through historical engagement.
TC: Would you like to go in detail and perhaps would you like to talk to us about recent projects or upcoming projects?
NG: I was just thinking this morning that it has been a year since we opened a project at the Venice Biennale called “My East is Your West,” in which I worked with the Gujral Foundation, a Delhi-based foundation led by the patron Feroze Gujral. For the first time we launched an effort to present artists from India and Pakistan within the Venice Biennale. This was an attempt to construct a new dialogue, also in terms of understanding South Asian geopolitics, but more importantly also contesting the dynamics of the Venice Biennale itself and complicating ideas of representation and also of belonging. “Where does one belong on a map?” versus “How does one belong to an art <world that has its own power dynamics and its own fractures?” For us this project was something that marked a crucial step forward in how we could think about the region, rather than the nation. This is something that I just wanted to add before we go to my current projects, because I think it was quite significant in recently shaping my thoughts as well.
Another project that I would maybe spend a few minutes on is called “The Museum of Rhythm.” It’s a project that I initiated in 2012. I was working with Anselm Franke on the Taipei Biennale 2012. This was an invitation to create a speculative museum framework. To think about, not necessarily what a museum of the future will be, but much more as an ontology. To think what is the mode by which knowledge, cultural knowledge, could be shaped in the body of a museum, what sort of logic can we create for this. I thought of Henri Lefebvre’s idea of rhythmanalysis, I thought of him as a Marxist sociologist and philosopher suggesting this subject of rhythmanalysis. I created this framework, in which we observed how the history of modernity could be looked at; could be traversed through rhythm. So whether that’s going into science, and scientific management of the body, and schemes of labor read through rhythm features. Or whether it goes into questions of occult philosophy, Eastern philosophy and thinking about rhythm through this mode. Or whether it’s anthropology, and certain cultures in which rhythm becomes a principle through which an anthropologic vision enters into the study of a certain community, of a certain otherness and even creating a problem there. For me this was a kind of exhibition that shaped the ways in which these boundaries of science, of anthropology, of politics can enter into the very core of the exhibition and be featured as themselves, and not as artistic research simply but in their own framing of interdisciplinary practice.
TC: I very much like the title “My East is your West,” because it’s very much connected to our personal point of view. I would like you to elaborate upon this title, which I find very, very inspiring.
NG: I should say that we were very fortunate to borrow this title from the artist Shilpa Gupta. It’s a work that she created. Shilpa has a way of playing with language, thinking about the construction of the nation state and how it impacts us as a collective body. She uses this question “My East is your West” as a series of fluctuating words that change their direction and their nuances across a light installation piece. We used it for this particular exhibition as it felt like a valid proposition for a new direction and a new form of how we can we be stakeholders for this complicated terrain that we are calling India and Pakistan. Bangladesh being part of Pakistan at one point in time, how do we deal with these questions? I think Shilpa’s research, as well as what Rashid Rana’s practice, brought these questions of proximity, of measuring, of identification through trade, through informality in economies, through architecture, back in to one space.
TC: Is there any other artist that you would like to mention? What artists are you working with?
NG: If I think about current ideas behind the Contour Biennale, which is upcoming, then I would like to discuss a few artists in regard to this particular project. So, one artist that I have been working with for a while is Lawrence Abu Hamdan. He is an artist who is currently based in Beirut and spent a lot of time in London with the Forensic Architecture group. And I have been inspired by this practice now for a few years, specifically in the way that it deals with a politics of listening and accounting of truth and testimony through the experience of communities who disturb this idea of geopolitical stability and are moving across a range of security networks and then become affected by them, routinely. So Lawrence‘s way of dealing with the sonic imprint on these bodies and on these communities, historically and today, is something that I find quite compelling. So in terms of Contour, which will open next year in March, we are already in conversation with a range of artists. This aspect of how the artist becomes a role player, dealing with ideas of justice, is something that I am now focusing on.
The idea of justice, of course, is much broader than the right to legal council, for instance. Justice is an abstraction and this is why it becomes relevant for us to think about it with the artists. It’s something that we are constantly reaching for in a society that is, in a sense necessary. It is a way of dealing with our rights, dealing with our responsibilities as a civil society. But, at the same time, justice is what is most easily denied depending on one’s race, on one’s sex, on one’s point of origin and status. So I feel that my current role in Belgium as the curator of Contour is, in a sense, giving a voice to certain kinds of practices and letting them perform on this stage of the Biennale as a kind of performative stage.
TC: Are you already thinking about some artists that you would like to invite to this Biennale or is it too early to talk about them?
NG: No, it is not too early because we recently had an artists talk with the precise idea to make these processes public. After working on a series of biennials, I believe strongly that as a curator, having an open strategy, sharing the process with the potential public, is essential. I am not someone who likes to hold the artists list secret. So we already started to have conversations in public and this included an artist who is also an advisor to me, for the Contour Biennale, called Judy Radul. Who is based in Vancouver and frequently works from Berlin. She has done this wonderful project called the “World Rehearsal Court,” which was an important reference point for me. It is a project that she has already worked with, where she looks at the procedure of the International Criminal Court in The Hague. Particularly the way in which video and media technology infiltrate the court. This was something that I find quite fascinating. So how the court itself is like a television set, there are cameras, there are microphones… The court is a theatre as well. The fact that the players in the court went to speak. How to speak is a script that is quoted historically and systematically. It is something that we were very keen to test at this point once again through her work. So that is another example. There is an artist who I have recently got to know called Louis Henderson who is a filmmaker. We are also working together quite closely. He is dealing with questions of race, looking back at certain colonial histories, whether that goes back to the Haitian revolution or whether it goes into the present of United States police officers killing unarmed black citizens. He sort of merges these questions of history and colonization to talk about current violence through the state.
TC: And what about Documenta? I know you are also involved in this huge kermesse. Would you like to tell us something about your involvement in Documenta.
NG: Documenta is, of course, involving a much larger team. So I think it’s important to foreground the fact that I’m a curatorial advisor within a much larger team. Each of us brings in a prospective that, of course, is informed through the range of our practice. For me the kind of cultural conditioning of bringing in certain kinds of South Asia voices into the upcoming Documenta feels important.
The curatorial dialogue has been sustained for quite some time now. We are now in the process of engaging with that curatorial dialogue through various formats, such as “South” which is hosted currently as the Documenta 14th Journal. We are going to release the second edition of this, and we have already been launching “South” in different cities including Kolkata, India, in the beginning of this year. I feel that all of these are platforms in which we, as a team, once more share publicly the sort of artistic practices, but also the political practices that will shape the upcoming edition of Documenta.
TC: Yeah, which is an interesting approach because usually Documenta has been considered a very “German” project, while it’s becoming a more universal and global project.
NG: Yes, I think it’s been a while now. I think right from the time of Catherine David and Okwui Enwezor, we have mapped out a much larger “globality” and a situation of urgency within artistic conditions in many parts of the world and that has systematically continued in very different curatorial strategies, but I think it has become a mandate that Documenta has carried forward for a while now. I feel that the current artistic director (Ed. note: Adam Szymczyk) is very conscious of what to do in the next steps forward. So this bilocation of having Documenta 14 in Athens and Kassel is something that is not simply a gesture, but very much a working methodology and it’s something that we are all learning from collectively.
TC: Yeah, it’s quite interesting that it will happen in Kassel, because economically now we have these problems with Germany and Greece within the European Union. So it’s a complicated situation economically. So it’s interesting that you are going to link these two cities, these two countries through contemporary art.
NG: Exactly and I think it’s important not to separate the conditions of economy from culture. Cultural flows are very much part of economic history.
TC: Another thing, as I was taking notes while you were talking, I noted regions versus nation states. You were talking about regions in relation to nation states.
NG: I have been thinking about this question of the region in very different ways. When I think about Mechelen and Belgium, what is going on there today and the conditions for the EU as a region. That is something that is playing in my head right now, because we are looking at a much older formation that was crucial to this region, which was the Great Council. It was set up in 15th century in Mechelen, in Netherlands, which made the highest Court of Europe. I was thinking of what that means now. Where are the ruins of this historical Great Council? Can it be a place for us to use as a space for assembling with artists to rethink the importance of that idea of the region? In South Asia, I find more and more that I, in a sense even due to the current climate of right wing politics, need to assert an interest in South Asia versus India. Because I think this is something that personally as a curator I’m not necessarily motivated to do, to say I’m from so and so part of India. I feel very much within the social fabric of South Asia, so having worked in Sri Lanka, having traveled to Pakistan and engaging with the communities from there, as well as Bangladesh. This was something that we did, to travel and circulate in a region as a way of practice.
TC: If you have something else that perhaps I didn’t ask, but you would like to tell us and you consider important to tell us and to our visitors please feel free.
NG: In terms of my current work, especially with the Contour Biennale, I find it important to address this question of how a biennale can become a collective act. How can we work with different forms of practices that deal with the Moving Image? In an expanded form, Contour started very early on in 2003 as a Moving Image Biennale. It has since then grown into many different formats, performances, installations, and practices. I feel that what we are doing now is taking this idea of justice as a stand point from which we can address many questions of testimony, of witnessing, ideas of what a trial or an assembly. These are very important questions for me. Also this fact of polyphony which shapes the Lowlands, the Flemish Lowlands that have a history of polyphonic music and in polyphony as a tradition.
I’m trying to use that in this more Bakhtinian sense of polyphony as a practice of multiple voices of a tonal system, of major and minor coming together to voice a position. That is something that I want to foreground in terms of what is upcoming with the Contour Biennale.
TC: Are you going to involve other arts, such as music, as well?
NG: The artists wouldn’t necessarily engage with music as such. I think of polyphony as a critical idea that we can investigate further, through thinking around how it means to re-tell histories. What does it means to deal with fiction? How do we think about witnessing and retelling through oral tradition? I’m bringing these two aspects of justice and polyphony as conditions to work on as we develop the Biennale.
TC: Ok, that’s very interesting. Oral tradition again, we are also now developing oral tradition while talking together. There are many things that have inspired me while talking. In the Contour Biennale are you also involving other fields of interest or are you mainly focusing on arts?
NG: Well, one of my other advisors is Denise Ferreira da Silva. She is a writer and scholar on the subjects of race, on black cultures and various forms of resistance and the colonialism that have taken place right from the Global South to the Caribbean. She has studied all these disciplines deeply, from a standpoint of social activism and philosophy. This is someone I have involved in the Contour Biennale as a voice that guides us as a group with questions that I think are urgent. The Biennale will not necessarily respond these question, but it will investigate. I think there no answers here, but at least to be part of the situation at this point demands certain kinds of, I guess, disciplinary, and experiential of knowledge. It’s not that I’m going to necessarily involve a range of participants who are coming from other disciplines directly but, as I said, there is Denise who often works within art institutions in discursive ways. Or, also there is Elizabeth A. Povinelli who is an anthropologist at Columbia University and has founded together with aboriginal community in Northern Australia the The Karrabing Film Collective and they will be part of Contour Biennale. So there will definitely be a range of practices but I wouldn’t create a hierarchy between this and that, art as a sort of pure.
TC: Of course, we are not in those times anymore. The idea is to create a polyphonic world.
NG: Exactly.
TC: To have the idea of what’s going on in world, we need to have different point of views, a polyphonic point of views.
English proof-reading: Emma Siemens-Adolphe
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Natasha Ginwala è una curatrice, ricercatrice e scrittrice. È curatrice della Contour Biennale 8 (2017) e consulente curatoriale per Documenta 14 (2017). Tra i suoi progetti recenti figurano “My East is Your West”, con Shilpa Gupta e Rashid Rana alla 56ª Biennale di Venezia; “Still Against the Sky” al KW Institute for Contemporary Art di Berlino, e “Corruption… Everybody Knows” con e-flux, New York, nell’ambito del progetto SUPERCOMMUNITY. Ginwala è stata membro del team artistico dell’8ª Biennale di Berlino per l’Arte Contemporanea (con Juan A. Gaitán) e ha curato “The Museum of Rhythm” alla Biennale di Taipei del 2012 (con Anselm Franke). Dal 2013 al 2015 ha diretto il progetto curatoriale multiparte “Landings”, presentato al Witte de With Center for Contemporary Art di Rotterdam, alla David Roberts Art Foundation a Londra, alla NGBK di Berlino (come parte del Tagore, Pedagogy, and Contemporary Visual Cultures Network), allo Stedelijk Museum di Amsterdam e in altre istituzioni partner (con Vivian Ziherl). Ginwala scrive di arte contemporanea e cultura visiva in vari periodici e ha collaborato a numerose pubblicazioni.
Tiziana Casapietra: Trovo il suo lavoro e la sua carriera molto interessanti, Natasha. Vorrei che ci parlasse dei suoi progetti, della Biennale Contour e del suo coinvolgimento a Documenta 14. Inoltre, mi piacerebbe sapere qual è la sua visione sull’arte contemporanea dal momento che sta lavorando dividendosi tra due aree geopolitiche: il mondo occidentale e quello dell’Asia orientale e occidentale. Vorrei partire, quindi, dalla sua visione e dal suo approccio all’arte contemporanea, dalle similitudini e dalle diversità che nota.
Natasha Ginwala: Grazie. Quello della mia visione sull’arte contemporanea è un argomento molto ampio, ma è il terreno sul quale possiamo costruire le nostre idee. Per me l’arte contemporanea è un linguaggio unico nel quale gli aspetti più importanti e complicati della nostra realtà e i vari modi di raccontare la storia possono entrare a far parte di un discorso pubblico. Percepisco la mostra stessa come uno spazio animato in cui diverse forme di conoscenza possono emergere.
Gli artisti con cui ho collaborato provengono da contesti diversi e hanno bagagli culturali differenti. Il mio approccio è stato quindi fortemente condizionato da questi aspetti, tra cui quello di lavorare al di fuori di una specifica origine geopolitica: credo che lavorare solo in Asia meridionale o solo in Europa mi avrebbe limitata.
Ho cercato di raccogliere una serie di risposte che considero urgenti e che provengono dalla mia parte del mondo, ma che necessariamente riecheggiano su scale più ampie. Questo approccio è stato essenziale per riflettere sui sistemi di conoscenza grazie ai quali gli artisti possano mettere in scena le loro idee avvalendosi di punti di osservazione privilegiati, di discipline diverse, di ricerca e dell’impegno storico.
TC: Può approfondire questo discorso e parlarci dei progetti più recenti e di quelli di cui si occuperà nel prossimo futuro?
NG: Stavo riflettendo proprio questa mattina su come sia già trascorso un anno dall’inaugurazione del nostro progetto alla Biennale di Venezia intitolato “My East is Your West” (Il mio oriente è il tuo occidente). L’ho realizzato in collaborazione con la Fondazione Gujral, che ha sede a Delhi ed è guidata dal mecenate Feroze Gujral. Per la prima volta ci siamo impegnati a presentare all’interno della Biennale di Venezia artisti provenienti dall’India e dal Pakistan. Il nostro intento era quello di costruire un nuovo tipo di dialogo al fine di comprendere le geopolitiche dell’Asia meridionale e, soprattutto, per contestare le dinamiche stesse della Biennale; volevamo rendere più complesse le idee legate alla rappresentazione e all’appartenenza a un luogo. Come si può individuare il luogo di appartenenza di una persona su una carta geografica?” “Come si può appartenere a un contesto artistico connotato da specifiche dinamiche di potere e dalle sue fratture?”.
Per noi questo progetto ha rappresentato un cruciale passo avanti nel modo in cui possiamo riflettere sulla regione piuttosto che sulla nazione. Si è trattato di un’esperienza su cui volevo soffermarmi prima di passare a parlare dei miei progetti attuali perché ritengo sia stata determinante nella formazione del mio pensiero.
Un altro progetto di cui vorrei parlare è “The Museum of Rhythm” (Il Museo del Ritmo). È un progetto che ho iniziato nel 2012. Ero stata invitata a lavorare con Anselm Franke alla Biennale di Taipei del 2012 con l’idea di creare un contesto museale speculativo. L’intento non era quello di riflettere sul museo del futuro, ma di concepirlo come un’ontologia, cercando di capire come plasmare la conoscenza culturale all’interno del corpo di un museo e quale tipo di logica potesse essere creata per questo scopo. In questa occasione mi venne in mente il concetto di ritmanalisi sviluppato da Lefebvre in quanto sociologo e filosofo marxista per suggerire questo argomento di studio. Così ho creato questo contesto in cui abbiamo osservato come la storia della modernità possa essere consultata e percorsa attraverso il ritmo.
In questo modo la scienza e la gestione scientifica del corpo, gli schemi del lavoro, così come la filosofia occulta o la filosofia orientale, vengono letti attraverso la teoria della ritmanalisi. Il ritmo diventa il principio attraverso il quale anche l’antropologia affronta lo studio di specifiche comunità e culture, di una specifiche alterità, finendo persino con il mettere in crisi questo stesso approccio.
Questo metodo di lavoro ha modellato i confini della scienza, dell’antropologia e della politica affinché queste discipline potessero raggiungere il cuore dell’esposizione ed essere presentate nella loro totalità. E tutto questo non tanto per soddisfare una semplice necessità di ricerca artistica, ma per permettere che queste discipline entrassero a tutti gli effetti a far parte di una pratica interdisciplinare.
TC: Mi piace molto il titolo “My East is Your West” perché si ricollega davvero al modo soggettivo di ogni persona di vedere le cose. Vorrei che si soffermasse su questo titolo, che trovo essere di grande ispirazione.
NG: Siamo stati molto fortunati a prendere in prestito questo titolo dall’artista Shilpa Gupta. Infatti si tratta di un suo lavoro. Shilpa ha un modo tutto suo di giocare con il linguaggio e di pensare al concetto di Stato-nazione, e comprendere il suo impatto su di noi in quanto corpo collettivo. Partendo dalla dichiarazione “My East is Your West”, Shilpa realizza un’installazione luminosa attraversata da una serie di parole fluttuanti che cambiano direzione e sfumature. Abbiamo usato questa dichiarazione per la nostra esposizione ritenendola particolarmente convincente al fine di sollecitare una nuova direzione, un nuovo modo di giocare una parte attiva di un territorio complicato come quello dell’India e del Pakistan, ma anche del Bangladesh che è stato parte integrante del Pakistan. Come affrontiamo queste problematiche? Shilpa con la sua ricerca, ma anche Rashid Rana con la sua pratica, sono riusciti a raccogliere in un unico spazio, questioni legate ai temi di prossimità, rispecchiamento e identificazione, questioni che ben si esprimono attraverso il commercio, l’informalità nelle economie e l’architettura.
TC: Vuole citare qualche altro artista con cui sta lavorando?
NG: Riflettendo sulle attuali idee alla base della prossima Biennale Contour, vorrei discutere di alcuni artisti in riferimento a questo progetto specifico. Uno degli artisti con cui sto lavorando da qualche tempo è Lawrence Abu Hamdan. Al momento lavora a Beirut, ma trascorre molto tempo a Londra collaborando con il gruppo di Forensic Architecture. Sono alcuni anni che vengo ispirata dalla sua pratica artistica, in particolare dal modo in cui si avvale della politica dell’ascolto per comprendere la verità attraverso la testimonianza e l’esperienza di comunità che disturbano l’idea di stabilità geopolitica. Si tratta di comunità che si muovono attraverso tutta una serie di reti di sicurezza da cui poi ne vengono regolarmente influenzate. Trovo molto convincente il modo in cui Lawrence si occupa dell’impronta sonora su questi corpi e su queste comunità, sia a livello storico sia nella situazione presente.
Per quanto riguarda la Biennale Contour, stiamo già intrattenendo conversazioni con un vasto gruppo di artisti. Al momento mi sto concentrando sul modo in cui gli artisti si muovono come giocatori di ruolo quando si confrontano con le idee di giustizia. Ovviamente l’idea di giustizia è molto più ampia rispetto a quella sul diritto all’assistenza legale. In un certo senso la giustizia è un’astrazione e, proprio per questa ragione, per noi è rilevante riflettere su questo aspetto insieme agli artisti. È qualcosa a che stiamo costantemente tentando di raggiungere nella società. Riteniamo necessario confrontarci con i nostri diritti e con le nostre responsabilità in quanto società civile.
Allo stesso tempo la giustizia viene negata molto facilmente in relazione all’etnia di una persona, al suo genere, alla sua origine e al suo status sociale.
Come curatrice di Contour, ritengo che il mio attuale ruolo in Belgio sia quello di dar voce a certe pratiche e lasciare che siano rappresentate sul palcoscenico della Biennale, inteso come una sorta di palcoscenico performativo.
TC: Sta già pensando a quali artisti vorrebbe invitare a questa Biennale o è troppo presto per parlarne?
NG: No, non è troppo presto. Di recente abbiamo avuto una conversazione con gli artisti con il preciso intento di rendere pubblici i processi di realizzazione dell’esposizione.
Dopo aver lavorato a una serie di biennali, sono convinta che per un curatore sia essenziale avere una strategia aperta e condividere il processo di realizzazione con il pubblico. Non mi piace tenere segreta la lista degli artisti. Abbiamo già iniziato a organizzare conversazioni in pubblico che hanno coinvolto anche Judy Radul, un artista che è anche un mio consulente per la Biennale Contour. Vive a Vancouver, ma lavora spesso anche a Berlino.
Ha realizzato un magnifico progetto intitolato “World Rehearsal Court” un punto di riferimento importante per me. Si tratta di un progetto su cui lei ha già lavorato e in cui osserva le procedure della Corte Penale Internazionale a L’Aia.
In particolare, ha posto la sua attenzione sul modo in cui i video e la tecnologia dei media si infiltrano nell’aula di tribunale. È qualcosa che trovo davvero affascinante. Il tribunale stesso diventa un set televisivo, ci sono telecamere e microfoni. Il tribunale diventa quindi un teatro. Il modo in cui i vari attori del tribunale vanno a testimoniare e il modo in cui lo fanno, costituisce un copione che viene codificato storicamente e sistematicamente. È qualcosa che eravamo interessati a verificare ancora una volta attraverso il suo lavoro. Questo è un altro esempio.
Sto anche lavorando a stretto contatto con Louis Henderson, un filmmaker che ho avuto modo di conoscere recentemente. Si sta occupando delle tematiche legate alla razza, osservando alcune storie coloniali, sia che risalgano alla rivoluzione di Haiti sia che riguardino fatti di attualità che vedono ufficiali di polizia statunitensi coinvolti nell’uccisione di cittadini di colore disarmati. Il lavoro di Henderson fonde queste tematiche legate alla storia e alla colonizzazione con lo scopo di parlare dell’attuale situazione di violenza perpetrata dallo Stato.
TC: Per quanto riguarda Documenta, invece? So che lei è coinvolta in questa grande kermesse. Ci può dire qualcosa sulla sua partecipazione?
NG: Documenta sta coinvolgendo una squadra di lavoro molto grande. Penso sia importante mettere in luce il fatto di essere consulente curatoriale all’interno di un gruppo molto più ampio. Ognuno di noi sta contribuendo al progetto con una prospettiva influenzata da tutte le nostre diverse pratiche. Nel mio caso, il mio condizionamento culturale svolge un ruolo importante nel coinvolgimento di voci provenienti dall’Asia meridionale nella prossima edizione di Documenta.
Il dialogo curatoriale si sta sviluppando da molto tempo ormai e attraverso vari format: la rivista South, ad esempio, sta ospitando il giornale della quattordicesima edizione di Documenta. Stiamo per pubblicare la seconda edizione e all’inizio di quest’anno abbiamo già lanciato South in diverse città tra cui Calcutta, in India.
Ritengo che tutte queste siano piattaforme in cui noi, come gruppo, condividiamo pubblicamente le pratiche artistiche e politiche che formeranno la prossima edizione di Documenta.
TC: Sì ed è un approccio molto interessante perché solitamente Documenta viene considerata un progetto “tedesco”. Ora invece sta diventando più universale e globale, non è vero?
NG: Sì, penso si stia percorrendo questa strada già da un po’ di tempo. A partire dall’edizione curata da Catherine David e Okwui Enwezor, si è cercato di mappare varie situazioni di urgenza all’interno delle varie realtà artistiche coinvolgendo zone del mondo sempre più ampie. Questo approccio è stato sistematicamente perseguito tramite diverse strategie curatoriali ed è diventato un mandato che Documenta sta portando avanti da tempo. Penso che l’attuale direttore artistico (n.d.r. Adam Szymczyk) sia ben consapevole di quale sia il prossimo passo da compiere. La scelta di avere una doppia sede, ad Atene e a Kassel, per Documenta 14 non è semplicemente un gesto, ma si tratta di una metodologia di lavoro; è qualcosa che stiamo tutti imparando collettivamente.
TC: Sì, è molto interessante che stia accadendo a Kassel perché ora, economicamente, abbiamo questo problema con la Germania e la Grecia all’interno dell’Unione Europea. È una situazione davvero complicata a livello economico. Trovo molto interessante il fatto che attraverso l’arte contemporanea si stiano collegando queste due città, questi due paesi.
NG: Esatto. Credo sia importante non separare le condizioni economiche dalla cultura. I flussi culturali sono parte integrante della storia economica.
TC: Un’altra domanda riguarda gli appunti che ho preso mentre stava parlando, cioè il tema della regione in relazione allo Stato-nazione.
NG: Sto riflettendo su questo problema della regione in modi molto diversi. Uno è in relazione a quanto sta accadendo a Mechelen e in Belgio e a quali siano le condizioni per riuscire a concepire l’Unione Europea come una regione. È un pensiero che ho in testa in questo momento. Sto osservando un’istituzione molto più antica, come il Gran Consiglio, che ha giocato un ruolo cruciale per questa regione. È stato istituito nel Quindicesimo secolo a Mechelen ed è stata la sede della più alta Corte di giustizia in Europa. Mi chiedevo cosa significhi tutto questo oggi, forse le rovine di questo storico Gran Consiglio potrebbero diventare uno spazio dove riunirsi con gli artisti per ripensare all’importanza del concetto di regione.
Probabilmente a causa del clima politico di destra, trovo sempre più la necessità di affermare un interesse nei confronti dell’Asia meridionale piuttosto che per l’India. Come curatore, non mi sento necessariamente motivata a dire che provengo da uno specifico luogo dell’India.
Mi sento invece parte integrante del tessuto sociale dell’Asia meridionale. Ho lavorato in Sri Lanka, ho viaggiato in Pakistan e ho interagito con le comunità locali, così come ho fatto in Bangladesh. Viaggiare e circolare nella regione faceva parte della nostra pratica curatoriale.
TC: Se c’è qualcosa che non le ho chiesto e che vuole aggiungere, si senta libera di farlo.
NG: Per quanto riguarda il mio lavoro attuale, soprattutto in relazione a Contour, trovo importante sottolineare come una biennale possa diventare un atto collettivo mettendo in campo pratiche diverse che hanno a che fare con le immagini in movimento e con forme artistiche diversificate. Questo è qualcosa che Contour ha avviato già nel 2003 come Biennale delle Immagini in Movimento e che poi si è evoluta in diversi format, quali la performance, le installazioni e altre pratiche.
Penso che quello che stiamo realizzando adesso ﹘ utilizzando l’idea di giustizia come punto di riferimento per affrontare molti argomenti legati all’atto di testimoniare e assistere a un processo o un’assemblea ﹘ sia molto importante per me. Così come il fatto che la polifonia plasmi l’area del bassopiano fiammingo, la cui storia è legata alla musica polifonica e alla polifonia intesa come tradizione. Sto cercando di adottare un’interpretazione più bachtiniana della polifonia, intesa come la pratica della molteplicità di voci del sistema tonale, della commistione di maggiore e minore, utile a dare voce a una specifica posizione. È qualcosa che voglio portare in primo piano nella prossima Biennale Contour.
TC: Coinvolgerà altri tipi di arte come la musica?
NG: Gli artisti non devono necessariamente affrontare la musica in quanto tale. Penso alla polifonia più come a un’idea critica che possiamo approfondire riflettendo su cosa voglia dire raccontare storie e occuparsi di fantasia, su come si possa utilizzare la tradizione orale per testimoniare e raccontare. Per me questi due aspetti, quello della giustizia e della polifonia, sono elementi fondamentali su cui sviluppare la Biennale.
TC: È molto interessante questo ritorno alla tradizione orale. Anche ora ci stiamo servendo della tradizione orale mentre stiamo parlando. Molte cose che mi ha detto mi hanno ispirato. Sta coinvolgendo altri campi di interesse nella Biennale Contour o si sta focalizzando solo sull’arte?
NG: Denise Ferreira da Silva è uno dei miei consulenti; è anche una scrittrice e una studiosa delle tematiche legate alla razza, alle culture nere, alle varie forme di resistenza e al colonialismo che ha avuto luogo nel Sud del Mondo, nei Caraibi.
Ha studiato tutte queste tematiche in modo approfondito anche dal punto di vista dell’attivismo sociale e della filosofia. È una persona che ho coinvolto nella Biennale Contour affinché ci guidasse come gruppo all’interno di queste problematiche che ritengo essere urgenti. La Biennale non deve per forza rispondere a questi problemi, ma deve investigarli in qualche modo.
Penso non si possano ritrovare delle risposte qui, ma la Biennale deve far parte di una situazione che richiede una conoscenza sia disciplinare sia basata sull’esperienza.
Ma non ho intenzione di coinvolgere necessariamente una gamma di partecipanti provenienti direttamente da diverse discipline. Come ho detto, è presente Denise che lavora spesso presso le istituzioni artistiche in modo discorsivo. C’è anche Elizabeth A. Povinelli, un’antropologa della Columbia University che ha fondato il Karrabing Film Collective con la comunità aborigena dell’Australia settentrionale. Entrambe faranno parte di Contour. Ci saranno sicuramente tutta una serie di pratiche, ma non voglio creare una gerarchia tra questo e considerare l’arte come qualcosa di puro.
TC: Certamente, non stiamo più attraversando quei tempi. L’idea è quella di dare nuovamente voce a una polifonia.
NG: Esattamente.
TC: Per poter avere un’idea di cosa sta accadendo nel mondo, dobbiamo disporre di differenti punti di vista, di una polifonia di punti di vista.
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