Bisi Silva, Founder and artistic director of CCA Lagos (Nigeria), April 2016.

Traduzione in italiano in basso

Bisi Silva is an independent curator and is founder and artistic director of the CCA, Centre for Contemporary Art, Lagos (Nigeria). She was the Artistic Director of the last Bamako Biennial of African photography in Mali (Oct. 31st, 2015/Dec. 31st, 2015). During her long career she has curated and co-curated various exhibitions such as the 2nd Thessaloniki Biennale in Greece in 2009, and the 7th Dakar Biennale in Senegal in 2006. In 2013 she was a member of the international jury for the 55th Venice Biennale. Silva writes for international art magazines and journals including Agufon, Artforum, Art Monthly, Metropolis M, Untitled, and Third Text, and she is in the editorial/advisory board of N. Paradoxa, international journal of feminist art.

This interview took place with no video to eliminate possible Skype connection problems. Originally recorded as an audio session, it is now available as an embedded video on this page and on the Radicate YouTube channel. The use of all attached images was kindly authorized by Bisi Silva and the artists mentioned in the interview.

Note: This conversation with Bisi Silva was held on February 2016. Three years later, in 2019, Bisi died prematurely in Lagos, Nigeria, at the age of 56.

Conversation transcription

Tiziana Casapietra: Hello Bisi.
Bisi Silva: Hi how are you?

TC: It’s nice talking to you, do you hear me?
BS: Yes, I can.

TC: I wrote some questions for you.
BS: Yes.

TC: Your curatorial practice has brought you to work in many different places of the world, what is the vision you have of contemporary art today? Do you see any specific trend dominating and somehow standardizing the art scene?
BS: That’s a very wide question. I can only talk about what I find interesting, but I wouldn’t say that there’s one specific thing. Of course, there are current issues which are pertinent, such as the instability, the uncertainties that exist across the world now, whether in Europe, America, across Africa or Latin America. It seems we are in a sort of heightened period of uncertainty and instability and that has an impact on the work that artists produce. But right now, I’m also really interested in how artists are creating works that — besides the social and the political — also engage with the immersive and the sensorial.

TC: I would now like to focus on your most recent projects. Perhaps you might want to talk about them, the way you approach these projects and the issues you are facing when curating them.
BS: The one that I’ve just finished is the Bamako Biennale (Ed. Rencontres de Bamako Biennale Africaine de la Photographie — “Telling Time”, 31st October — 31st December 2015) in Mali, which is the 10th edition of the photography biennale that returned after a four-year gap resulting from the threat to the country’s sovereignty by Jihadists. The Northern part of Mali was invaded in 2012, and over the last four years there have been sporadic incursions and casualties. That’s the most specific case, but this also extends to a stronger global instability, whether it’s the protests over the last three years in Brazil, the Black Lives Matter (Ed. BLM is an international activist movement against violence toward black people) in America or the war in Syria.
We can just keep naming and listing the amount of political instabilities and, of course, the consequent results from a social standpoint. “Telling Time”, which was the title and the thematic of the Bamako Biennale, was one way of engaging with the present and the recent past, as well as with this traumatic experience that the nation went through, which is also indicative of the traumas and the instabilities across the world. And also a way of allowing artists to articulate some of these experiences through lens-based media, while not only focusing on the present but also trying to understand the past and how the past has an impact on the present and using this to engage with the future. I think it’s an open theme, it’s quite broad, so artists had the possibility to comment it from a multitude of perspectives and this added a richness to how we experience our present, our today and to how we engage with other periods across time, space and geographies; this brought a really interesting discursive element to the project.

TC: Bisi, would you please tell us something about the projects you are following and curating in Lagos, your city?
BS: My approach in Lagos is to really try to engage with the local. Since I’ve been working with CCA — but even more so over the last four, five years — I’ve wanted to really engage more with the dynamics of artistic practice, but also of everyday realities, in Nigeria. For me, this is interesting because of how art from Africa gets homogenized as one country, one place where everything is the same. But It’s not, we need to look at the specificities of each environment. The way art exists in Nigeria is completely different from the experiences and the infrastructures in a place like Mali, for example.

TC: Of course, it’s a huge continent.
BS: Exactly, that’s how it’s articulated outside of the continent. I am always asked “I want to do art from Africa” and I’m like “Where exactly? Be specific.” I sort of demand that specificity, because my experience here is completely different from the experience of the next country.
In our programming we’re interested in bringing a wide perspective. We do international exhibitions, we do regional exhibitions and we do exhibitions that focus on Nigerian artists and issues that may concern them. In the past, we’ve done solo exhibitions of Nigerian artists as a way of giving exposure to artists who under normal circumstances might not be given the space to show the kinds of work that they show, whether it engages with issues around sexuality or around the body, because we are operating in a fairly conservative artistic context.
The gallery system is predominantly commercial, so there is a sort of limit on what they are prepared to show and engage with. We feel that CCA should be a platform that allows for experimentation of media, of artistic practice as well as of critical thought, where we can bring people together to discuss important social and political issues of our time.
As an example, I would like to mention an exhibition we did in 2012, which was focused on Occupy Nigeria. On the 1st of January 2012, the President decided to increase the price of petrol by more than double, maybe 60-70%, and this, of course, had an impact on day-to-day lives that were already quite challenging, whether to buy food, transportation or school fees. This resulted in a nation-wide protest against this increase. Normally, Nigerians are known for going out protesting for a day or two, but — I think for the first time in our history and with the use of social media — this was going to drag out until there was some kind of compromise that benefitted or that was convenient for all parties, spurred on by other revolutions or protests such as the Arab Spring or the Brazilian protests. This also gave us a sense of the people’s power, and Nigerians of all strata of society — rich, poor, middle class, the elites, the intellectuals — everybody came out onto the streets and was prepared to stay out there for as long as it took, and the government saw that we were serious and we succeeded in bringing the cost of petrol down.
Even after that, there were a lot of discussions going on on television, the radios, in the newspapers, and what CCA wanted to do was to respond: I think that’s one of the things we can also do. We don’t have a rigid programming; we also like to be able to respond to what’s happening in the immediate.
With my colleague Jude Anogwih we decided to respond to this moment and provide a platform where we could bring cultural practitioners together to discuss the effect of what had just happened. We invited photographers that would be out in the streets documenting the events to bring the images and we would create a slideshow; we invited Emeka Ogboh, the sound artist who’d collected over five thousand Twitter messages and we showed them in the gallery; we invited the activist and performance artist Jelili Atiku, who had done a performance in the streets, to come and do one in the gallery space. Then we had a panel discussion where we invited lawyers, cultural activists and artists, even people who worked in technology, to come and discuss what had happened. That’s one of the ways we can respond to what’s happening in the immediate in our space and bring it into a cultural arena. We also formed part of the discussions that are going on.
We have other exhibitions that we’ve done much earlier on. We did an exhibition called “Like A Virgin” in 2009 (Ed. 29 January -14 March) with two then emerging artists: the South African photographer Zanele Muholi and Lucy Azubuike, a Nigerian artist that works across the different media, photography, video, painting. This was the first exhibition that really engaged sexuality and the body within the visual art space in Nigeria.
Zanele Muholi is an internationally renowned black lesbian activist photographer who has documented for many years the lives, the joys and the tribulations of black lesbians and the gay community in South Africa. But especially one of her first major bodies of work, “Only half the picture” in 2006, documents and tries to portray how black lesbians have been attacked and even killed within the South African environment, the intolerance that exists within the society, and tries to show that these are human beings just like anybody else, irrespective of their sexual preferences. Within a Nigerian context, that was already a taboo subject.

TC: In many places, Bisi. Even in Italy, unfortunately, this is a taboo.
BS: As a curatorial project, I was bringing these two artists. Lucy Azubuike’s work dealt with the conflicts of tradition and modernity that women have to bear in how they are responding to a culture and a tradition that says a woman must do this, that or the other, while also trying to fulfil her own dreams and ambitions. There is what society wants and there is what you want: Lucy Azubuike’s work is based on these tensions and these conflicts.
I thought it was really interesting to bring these two women’s work together. It wasn’t about being shocking or confrontational but rather about showing the complexities of the lives of women, not only in Africa but across the world. At the time that the exhibition took place in 2009, at least within a Nigerian context, I felt that a lot of women artists were not pushing the boundaries of what is possible to present, of what is possible to articulate and the complexity of their lives. We have this tradition here of male and female artists taking women as their starting point without engaging with the issue in a critical manner, and for me these two artists represented a strong voice about women’s body but also about sexuality, and even more so about the freedom to be who they want to be. I think this is why this thematic is important, because it’s coming from a very local context.

TC: But it’s international, Bisi.
BS: Exactly, the power of the work resides in the fact that this is something universal. It’s very personal. It’s personal to Zanele Muholi, the experiences that she is documenting could be hers and the same applies to Lucy Azubuike, but, at the same time, they are extremely universal. I think women and anybody from anywhere in the world can identify with these two artists’ bodies of work.

TC: I would like you to also tell us about some of the more recent projects you are curating in your space.
BS: We are now on the 9th year and we are going to be ten next year, ten years of existence. Over the last year, we’ve really been thinking about how we want to move forward, what are the priorities that we want to work on. At the time that CCA was opened, in 2007, there were very few platforms for critical discourse and experimental practices; it was quite rigidly painting and sculpture. There was little room for lens-based media, which was our focus: photography, video art, performance art and any other art and installations, anything that was experimental within this context. When we started, there were very few platforms for artists to come and express themselves. But today I’m pleased to say that the art scene has developed, photographers are now considered an important and integral part of visual art. They are getting international visibility and more artists are also engaging with performance art and — of course — video art, as well as with the forming of the Video Art Network (VAN) Lagos.
Now I’m thinking that the priorities that we had six, seven, eight years ago are not so urgent anymore, because other spaces and other platforms have been opened that deal and engage with some of these practices and some of these themes and provide discussion and debate platforms that were almost non-existent at the time. So, we have a really dynamic art scene, which is great. We’ve been thinking about what we want to do and how we want to move forward.
The starting point for CCA was not the gallery but actually the library, the research centre, the resource centre, and we’ve built up over the last eight years the largest, independent, specialized library focusing on visual art and visual culture. So, we want to return to that, to the library, we want to develop critical thinking. We want to think about art history because, although Nigeria is extremely advanced in developing, publishing and writing its own art history, that’s not the case for most countries across the continent. Therefore, we find that over 95% of written content on artistic practice across the continent is actually written in the diaspora, it’s written outside of the continent. It has been the case and it remains the case today, and for me it now becomes a matter of urgency that we, who are working here on a daily basis, who are engaging with the arts on a daily basis — on an hourly basis if you wish — need to begin to articulate our ideas, our visions, our experiences in the here and the now, right here.
We now want to begin focusing on the use of the library as a starting point for what we do, for our exhibitions, our talks, our projects and all these other possibilities of programming. We’re sort of starting little by little, we have already started publishing. Recently, we did a major book on the Nigerian photographer J.D. ‘Okhai Ojeikere, we’ve done a pocket publication on the sound artist Emeka Ogboh. We hope to be doing more publications over the next two to three years. We don’t see publication as just a book, we actually see it as a curatorial platform. How can we begin to explore the printed page as a curatorial platform? As opposed to the white cube, how can we go over and beyond the white cube? So, this is what I’m finding interesting at the moment, and we are working on two or three books.
I’m starting the research for a major monograph on an older artist, so one of the areas is to do major substantial monographs on a modern artist. The first one was on a modern photographer, Ojeikere. I’ve now started research on Demas Nwoko, he is eighty years old this year and has been a practicing artist, architect, painter, sculptor, designer, theatre designer. He is just your all round African art Renaissance man and I want to do a substantial monograph on this extremely important artist — he is a publisher and writer as well. The research has just started, and hopefully we can start working on the book from next year. We spend a year doing the research.
This year we are doing another emerging artist, her name is Odun Orimolade. She had an interesting exhibition at CCA in 2014, the project is “1 Work”, where we invite an artist into the gallery space to create just one work using the whole gallery as the canvas.
Odun was extremely interested, she paints, she does installations, but drawing forms a considerable and substantial part of her artistic practice. She wanted to do one drawing using all the walls of the gallery space. So the publication we want to do will use that project as a starting point to look over her practice over the last ten years. The pocket monograph comes at a critical moment in the artists’ career, where it’s an opportunity to take stock of what they’ve done for it to be reflected in a publication but also to curate the publication. So I am really interested in that, and in doing it the book becomes available to a wider audience that may not come to the CCA gallery space; but also, it’s a document that exists as part of what has been happening within the local art scene. Most of these books are the result of many years of discussions and interaction with the artists and their work, whether it’s studio visits or them showing at CCA or even at other galleries. So it takes a more inclusive and more contextual local context as opposed to something that is sort of more abstract and fits within this homogenizing discourse around Africa. This now becomes a discourse on art in Lagos, art in Nigeria, art in West Africa, art in Africa and international art, because there is this relation, she is showing abroad, she had a show in New York last year with other artists, around drawing. That complexity, the multiple levels of artistic practice and discourse have not been captured in this sort of encompassing focus on Africa.
So, that is one of the projects that we want to work on. At the moment, within the gallery space we have an exhibition on video art which is a collaboration with several institutions, with the Videonale in Germany, so it’s called Videonale in Lagos. It’s a curatorial collaboration between Videonale in Germany and Video Art Network Lagos, as well as the Goethe-Institut Lagos and CCA Lagos. It started with a ten-day workshop with the video artist Theo Eshetu and the Nigerian artist Jude Anogwih doing a workshop with about eighteen Nigerian artists. Then, it was followed by the Videonale exhibition, which brings international video artists and Nigerian video artists together. It’s been shown across two spaces in Lagos, of which the main exhibition is at CCA and another exhibition at Freedom Park. That’s what we have on at the moment. This will be followed by a photography exhibition that is actually touring across Africa. It is an exhibition arising out of a program that curator Simon Njami has been doing for a couple of years. It’s a photography portfolio review — I think it has been going for about seven years now and I was part of it for about five years — and after three years the results of the portfolio review usually is an exhibition. This year, they have three really exciting artists, two from South Africa and one from Kenya: Musa Nxumalo, the late Thabiso Sekgala from South Africa and Mimi Cherono Ng’ok from Kenya. It was shown during the Bamako Biennial as an “off” and it’s now in Nigeria; it was going to be shown at the Goethe, but we had a slot, and I’m really happy to show it because I’ve worked very closely both with Thabiso and Mimi, who actually were in the official Bamako Biennial exhibition, but both have also been part of the Àsìkò program by CCA, the roaming art school that moves across Africa for five weeks each year.
I’m really happy to be able to host them at CCA and I’m excited about the exhibition, but this is also a way of using it to have different talks and seminars around photography and some of the themes, such as travel, that the work engages with. After that, we have another exhibition with three young Nigerian artists. I’m really excited about it because it’s also the result of the collaboration with the Summer Academy in Salzburg, in Austria. The last three years we’ve been collaborating with them to send a young artist to the Salzburg Academy every year for a three-week residency workshop. After the last participant went last year, we thought “Okay, so we have sent three artists there, what do we do next? What do we do with this program? How can we do more?”. We’ve decided to have an exhibition with the three artists, not so much to present work but to share the process that they developed whilst on the residency, to talk about how that has had an impact on the work that they are making now. What’s interesting about this is that you have three different artists working in three different media who have been to the same place in three different times. It’s going to be really interesting and I think it’s also educational, because this is very important in what we do in Nigeria, it is still an emerging art market so we can’t avoid engaging that educational side of professional development. And it is for them to share experiences about the possible ways that residencies benefit one’s career; because these are young artists, and sometimes you find a lot of young artists going on residencies abroad or to different countries across Africa or across the world, who just end up jumping from one residency to another without a specific vision or strategy for the residency. Thus, two or three years later, they are not much further off from where they were when they started. Sometimes, some of them go without really knowing what they are supposed to be doing there, because they go in a residency where they just leave you to do your own thing, which may not be the best approach. Some need residencies where there is at least interaction, there is contact, there is feedback more than once or twice. If you are more mature, then of course, you can go in a residency where you need to be left alone because you are already working, you already have a direction that you want to push to the next level. This is an opportunity for the three artists to communicate how this residency has been — as they have said — a turning point in their artistic practices and share it with other artists and their colleagues and their contemporaries. That would be the third exhibition for the year and I like that process, because it also builds on an exhibition that I did two and half years ago to celebrate the seventieth anniversary of El Anatsui, the internationally renowned artist whose bottle-tops sculptural installations have been renowned and acclaimed all over the world. We did this exhibition because I was like “Okay, I cannot afford to do an exhibition of his huge works, our space is not that big and also the insurance cost would probably be my budget for the whole year. How do you engage an artist of this stature within this context?” So I decided to do an exhibition that is more archival and sort of traces the trajectory from the time he left University in 1974 to the present, using all different materials, sketches, drawings, videos, some works that I found in his studio. He was a lecturer in the fine art department for over 30 or 25 years at the University of Nigeria. So I invited three students to reflect that major aspect of his life, but we could also show some of his early works. There was a collector that had some works of El Anatsui from 1975 — that’s a year or two after he graduated from University — and then we showed some of his wooden panels; then I had a tiny piece of work from his bottle-top sculptures, of which we could not have the whole lot; but I thought that we should de-emphasize that aspect, because the journey that got him to where he is today has not been engaged with sufficiently, especially internationally. We showed videos, documentaries, we had the kind of music that he listens to when he is working, the books that influence his artistic practice, images, photographs from over the years.
He keeps everything, for instance he has kept all his payslips from the very first one to the last one, and that is over a thirty-year period. So we showed a payslip from each year he was a lecturer at the University of Nigeria. So, this exhibition that we are going to have with the three students is also about the materials they use. I’m trying to do as many studio visits as I can, because I think that the process of making the work is so important, yet what we get to see in the gallery space is only the end results. Sometimes it is interesting and important to bring aspects of the process into the gallery space and even look at that as art works in their own right.

TC: Bisi, what do you think of this growing interest, internationally speaking, in the production of African artists?
BS: I think it’s great and fantastic, because in most of the countries there is very little infrastructure or opportunities to present work professionally, there is little or no funding to make the kind of work that you want to make. The international interest is sort of shining the spotlight on the work these artists are making. A lot of artists work in isolation for many years, producing work that they don’t show. Here is an example: when I was introduced to Lucy Azubuike’s work through El Anatsui, she was a student at the University of Nigeria Nsukka. When I went to see her work, she was doing a body of work on menstruation called “Menstruation Diaries”; she had been creating these works for about seven years and had never shown it to anybody, I think only to El Anatsui. He once said “go and see this artist, she is doing some interesting work” and when I did I was like “Wow! This is incredible, at least within our context” and I’m like “Where have you shown it?” and she goes “What do you mean, show this? I’ve never shown it to anyone else, I’ve never shown it publicly.”
And I said “I want to show this, this is so important.” I know there are hundreds of artists like her, creating work that they don’t show. Another recent one, last year, is the young photographer who came up to me and said “I’m creating this other body of work, can I show it to you? Because I don’t know if I can show it publicly”. She showed it to me and I thought “What’s wrong with it?” and she said “you know, I am naked in it, it’s naked images” and I’m like “So what?”.
But sometimes they don’t know, because they are not in a context that allows that kind of discussion, maybe it’s not as supportive as it could be. It’s really important that they can show their work. Otherwise it remains very insular.

TC: Bisi, just a question. You said that they are isolated, right? So how do you think they get the inspiration to produce their art works or to become artists?
BS: When I said isolated I meant isolated from what’s going on in the wider world because, of course, art has always existed in all cultures.
When I say isolated I mean in the sense that in very few countries you may not have platforms for discussion; where they do exist, it’s just about focusing on painting and lovely pictures, which is also — like I said — one of the reasons that led me to set up CCA: so that more experimental artists could have a platform where we could engage their work, talk about the work and the subject matters, without being judgmental. When I decided to organize “Like a Virgin”, a few people saw the works and they were like “Bisi are you sure you should be doing this?” and I’m like “What?”.
You have all this religious intolerance going on. When we had the opening of the exhibition, I was really scared because homosexuality is illegal in Nigeria. I did this show in 2008, and when I was organizing it I wasn’t thinking about any laws, I was just doing my job, which is to show great artists,but then, when I did research, I am like “Let’s check what’s going on here with regards to showing this work,” Zanele’s work. And I am like “Huuu, I could be arrested, I could be shut down”. So I sort of panicked a little bit.

TC: Of course! And what happened? Did they do anything against the exhibition?
BS: No, nothing happened, but that’s the context in which I was working.

TC: Did any kind of politician come to visit the exhibition?
BS: Nothing. The politicians are not really interested in art. In a way, it’s great that they are not interested because we can do this exhibition, but it’s also problematic, because it means that they are not supporting the arts. For every good thing, there is a bad side as well.

TC: So Bisi, you said that politicians are not involved; so how do you get your support for CCA?
BS: Through international funding. We apply to foundations that support cultural practice in Africa, Asia, and Latin America. So you have the Prince Claus Fund, you also have to work with people like the British Council, the Goethe-Institut, the French Institute. If it’s an American artist, we can work with the American Embassy, the Cultural Department. You have a couple of Embassies that also help with cultural programming. Sometimes it’s good, sometimes there is no funding. So I’ve got this program going on but I don’t even know when and if it is going to be funded or not. We work in a very precarious situation, but we had times when we’ve been very well funded and we were able to do great exhibitions. For example, we did “The Progress of Love”, in 2013, where we collaborated with the Menil Collection and that was really good. There was even funding for artists to create new work. So that was nice.

TC: What about the space? Is it provided by the public community there or do you have to rent it?
BS: The government doesn’t fund anything, nothing at all. I just look for funding through patrons, sometimes we generate a little income if we sell a work. So, I just have to get on with it, find strategies.

TC: Was it an idea of yours to open this space?
BS: Yes.

TC: Wow. Very courageous of yours.
BS: I’m really lucky because I have really committed, dedicated colleagues and we all sort of have the same vision of what it needs to be done; we just get on it, which is really great. We have a lot of fun, we have learned a lot, it has been really really fantastic.

TC: Ok Bisi, I think that you have been also very generous with me. Thank you Bisi.
BS: You’re welcome, thank you so much.

© radicate

Traduzione in italiano

Bisi Silva, Fondatrice e direttrice artistica, CCA, Lagos
Aprile 2016

Bisi Silva è una curatrice indipendente, fondatrice e direttrice artistica del CCA (Centre for Contemporary Art) di Lagos, in Nigeria. È stata direttrice artistica dell’ultima Biennale di Bamako di fotografia africana in Mali (dal 31 ottobre al 31 dicembre 2015). Nel corso della sua lunga carriera ha curato e co-curato diverse mostre, tra cui la seconda Biennale di Salonicco in Grecia nel 2009 e la settima Biennale di Dakar in Senegal nel 2006. Nel 2013 ha fatto parte della giuria internazionale per la 55ª Biennale di Venezia. Silva scrive per riviste d’arte internazionali come Agufon, Artforum, Art Monthly, Metropolis M, Third Text e fa parte del comitato editoriale e consultivo di N. Paradoxa, rivista internazionale di arte femminista.
Questa intervista si è svolta senza video per evitare possibili problemi di connessione Skype. Originariamente registrata in formato solo audio, è ora disponibile come video incorporato in questa pagina e sul canale YouTube di Radicate. L’uso di tutte le immagini allegate è stato gentilmente autorizzato da Bisi Silva e dagli artisti menzionati nell’intervista.

Nota: Questa conversazione con Bisi Silva si è tenuta a febbraio 2016. Tre anni dopo, nel 2019, Bisi è scomparsa prematuramente a Lagos, in Nigeria, all’età di 56 anni.

TC: Buongiorno Bisi.
BS: Buongiorno, come stai?

TC: È un piacere parlare con te. Riesci a sentirmi?
BS: Sì, ti sento.

TC: Ho preparato alcune domande per te. Puoi condividere con noi la tua visione sull’arte contemporanea oggi, considerando che la tua pratica curatoriale ti sta portando a confrontarti con diverse zone del mondo? Noti qualche tendenza specifica che sta cominciando a omologare la scena artistica?
BS: È una domanda molto ampia. Posso parlare solo di quello che trovo interessante, ma non direi che esista una tendenza specifica. Certamente ci sono temi ricorrenti che riguardano l’attualità come l’instabilità e le incertezze che esistono in tutto il mondo, in Europa, in Africa o America Latina. Sembra che viviamo in un periodo di accresciuta incertezza e instabilità e questo ha un impatto sul lavoro degli artisti.
Al momento sono interessata anche a quegli artisti che, oltre alle questioni politiche e sociali, guardano all’immersivo e al sensoriale.

TC: Vorrei che parlassimo dei tuoi progetti più recenti. Magari possiamo parlare del modo in cui li affronti e le questioni con cui ti confronti durante il lavoro di curatela.
BS: Il mio ultimo progetto è stato la Biennale di Bamako in Mali. Si tratta della decima edizione della biennale della fotografia che ritorna dopo uno stop di quattro anni dovuto alla minaccia dei jihadisti alla sovranità del Paese. La parte settentrionale del Mali è stata occupata nel 2012 e nel corso degli ultimi quattro anni ci sono state incursioni e vittime. Questo è il caso più specifico, ma l’instabilità è fortemente estesa a livello globale. Si vedano ad esempio le proteste negli ultimi tre anni in Brasile, il Black Lives Matter negli Stati Uniti o la guerra in Siria.
Possiamo continuare a elencare le numerose instabilità politiche che attraversano il mondo e tutte le loro conseguenze sociali. Telling Time (n.d.t. Raccontare il Tempo) è il titolo e il tema della Biennale di Bamako che ci ha consentito di relazionarci con il presente, con il passato recente e con questa esperienza traumatica vissuta dalla nazione, ma è anche simbolo dei traumi e delle instabilità che stanno attraversando tutto il mondo.
Ha anche rappresentato l’occasione per permettere agli artisti di raccontare alcune di queste esperienze, non concentrandosi solo sul presente, ma cercando anche di comprendere il passato e il suo impatto sul presente, sfruttando questa consapevolezza per affrontare il futuro.
Credo sia un tema aperto e abbastanza ampio, quindi gli artisti hanno avuto la possibilità di affrontarlo da molteplici punti di vista. Inoltre ha arricchito il modo in cui viviamo il nostro presente, il nostro oggi, e come ci relazioniamo con altri periodi attraverso il tempo, lo spazio e le geografie. Tutto questo ha apportato al progetto un elemento discorsivo davvero interessante.

TC: Vorresti dirci qualcosa sul progetto che stai seguendo e curando a Lagos, nella tua città?
BS: A Lagos cerco di dedicarmi alla dimensione locale. Da quando lavoro con il CCA, ma ancora di più nel corso degli ultimi quattro o cinque anni, ho voluto impegnarmi di più sulle dinamiche della pratica artistica e sulla realtà quotidiana che caratterizzano la Nigeria.
Per me questo è interessante anche perché l’arte dell’Africa viene sempre uniformata, come se provenisse da un unico paese, un luogo dove tutto è uguale; ma non è così: dobbiamo guardare alle specificità di ogni territorio. Ad esempio, il modo di esistere dell’arte in Nigeria è completamente diverso da quello del Mali, sia nelle esperienze sia nelle infrastrutture. L’Africa è un continente enorme, eppure viene vista così fuori dal continente.
A volte vengo interpellata da chi vuole occuparsi di arte africana; io chiedo sempre di essere precisi: di dove esattamente? Pretendo questa precisione perché la mia esperienza qui in Nigeria è completamente diversa da quella di un qualsiasi altro Paese vicino.
Nella nostra programmazione ci impegniamo a proporre una prospettiva ampia; realizziamo mostre internazionali, mostre regionali e mostre che si concentrano su artisti nigeriani e argomenti che li riguardano. In passato abbiamo organizzato esposizioni personali di artisti nigeriani che si occupano di tematiche inerenti la sessualità e il corpo e che, in circostanze normali, non avrebbero avuto lo spazio per mostrare il proprio lavoro.
Questo perché operiamo in un contesto artistico abbastanza conservatore; lo stesso sistema delle gallerie, essendo prevalentemente commerciale, ha dei limiti su ciò che è disposto a sostenere ed esporre.
Per noi il CCA dovrebbe essere una piattaforma che permette la sperimentazione dei diversi media, della pratica artistica, ma anche del pensiero critico. Un luogo dove le persone si possono incontrare per discutere delle importanti questioni sociali e politiche del nostro tempo.
Per fare un esempio vorrei parlare di una mostra che abbiamo fatto nel 2012 che riguardava “Occupy Nigeria” (n.d.t.: il movimento di protesta socio-politico “Occupare la Nigeria”). Il primo di gennaio del 2012, il presidente aveva deciso di aumentare il prezzo della benzina di oltre il doppio, portandolo al 60-70% in più. La decisione ha ovviamente avuto un forte effetto sulla vita quotidiana, che è già abbastanza difficile, con pesanti ripercussioni sul costo dei prodotti alimentari, dei trasporti e delle tasse scolastiche. Questo ha provocato una protesta nazionale.
Normalmente i nigeriani sono conosciuti per non essere in grado di impegnarsi in una protesta per più di un giorno o due, ma forse per la prima volta nella nostra storia, e grazie all’utilizzo dei social media, questa volta la protesta si sarebbe trascinata finché non si fosse raggiunto un compromesso conveniente per tutte le parti in gioco.
Il tutto è avvenuto anche grazie allo sprone di altre rivoluzioni o proteste come la Primavera Araba o le proteste brasiliane. In questo modo abbiamo avuto la prova del potere del popolo. I nigeriani di tutte le classi sociali — ricchi, poveri, classe media, élite, intellettuali – sono scesi nelle strade ed erano tutti pronti a rimanerci finché il governo non avesse preso atto della nostra determinazione. In questo modo siamo stati in grado di far abbassare il costo della benzina.
Dopo questi avvenimenti, ci sono state molte discussioni in televisione, alla radio e sui giornali e anche il CCA voleva apportare il proprio contributo: penso che questa sia una delle funzioni che uno spazio come il nostro debba avere.
Non abbiamo una programmazione rigida; ci piace essere in grado di rispondere a quello che succede nell’immediato. Con il mio collega Jude Anogwih abbiamo deciso di rispondere a questa urgenza e rendere disponibile una piattaforma in cui riunire operatori culturali per discutere l’effetto di quanto accaduto.
Abbiamo invitato i fotografi che erano scesi nelle strade per documentare gli eventi a portare le immagini affinché potessimo presentarle al CCA; abbiamo invitato l’artista del suono Emeka Ogboh, che aveva raccolto più di cinquemila messaggi su Twitter, a mostrarli nella galleria. Abbiamo invitato l’attivista e performer Jelili Atiku, che aveva realizzato una performance nelle strade, a proporne una nel nostro spazio.
Abbiamo anche organizzato un dibattito al quale sono stati invitati avvocati, attivisti culturali, artisti e persone attive nel settore tecnologico per discutere insieme di quanto stava accadendo. Questo è uno dei modi con cui possiamo portare il nostro spazio all’interno dell’arena culturale per rispondere a quello che sta succedendo nell’immediato.
In questo modo abbiamo preso parte alle discussioni ancora in corso. Ci sono altre esposizioni che abbiamo organizzato molto prima. Nel 2009 abbiamo organizzato Like a Virgin, una mostra di due artiste allora emergenti: la fotografa sudafricana Zanele Muholi e l’artista nigeriana Lucy Azubuike che utilizza diversi media come la fotografia, il video e la pittura.
È stata la prima mostra focalizzata sulla sessualità e il corpo dentro uno spazio dedicato all’arte visiva in Nigeria. Zanele Muholi, attivista e fotografa lesbica nera, riconosciuta a livello internazionale, ha documentato per molti anni la vita, le gioie e le sofferenze delle lesbiche nere e della comunità gay in Sudafrica. In particolare, in uno dei suoi primi grandi lavori “Only half the picture” realizzato nel 2006, documenta e prova a ritrarre il modo in cui le lesbiche nere sono state attaccate e persino uccise nel contesto sudafricano. Documentando l’intolleranza che esiste dentro la società, prova a mostrare che queste persone sono esseri umani proprio come tutti gli altri indipendentemente dal loro orientamento sessuale.
Nel contesto nigeriano questo era già un argomento tabù.

TC: Lo è in molti luoghi Bisi. Anche in Italia, purtroppo, è un tabù.
BS: Come progetto curatoriale ho esposto queste due artiste. Lucy Azubuike affronta i conflitti tra tradizione e modernità con cui le donne devono fare i conti; il loro modo di rispondere a una cultura e a una tradizione che dice loro cosa fare, mentre cercano di soddisfare i propri sogni e le proprie ambizioni.
C’è quello che la società esige e c’è quello che vuoi tu. Il lavoro di Lucy Azubuike è basato su queste tensioni e su questi conflitti.
Ho pensato che fosse davvero interessante riunire il lavoro di queste due donne. L’intenzione non era di scioccare o suscitare polemiche, ma di mostrare le complessità delle vite delle donne non solo in Africa ma in tutto il mondo.
Quando nel 2009 la mostra ha avuto luogo, mi sono resa conto che, perlomeno nel contesto nigeriano, molte artiste non spostavano in avanti i confini di ciò che è possibile presentare per esprimere la complessità delle loro vite.
Abbiamo questa tradizione qui, artisti maschi e artiste femmine che prendono le donne come loro punto di partenza, ma senza occuparsi di questo tema in maniera critica.
Per me queste due artiste rappresentavano una voce forte sul corpo delle donne, sulla sessualità e ancora di più sulla libertà di essere chi vogliono essere.
Questa tematica è importante perché viene da un contesto molto locale.

TC: Ma è internazionale, Bisi.
BS: Esattamente. La forza del lavoro sta proprio nel fatto che riesce ad essere personale e universale.
È personale per Zanele Muholi, le esperienze che documenta potrebbero essere le sue e lo stesso vale per Lucy Azubuike. Allo stesso tempo, i temi che trattano sono estremamente universali.
Credo che le donne e chiunque da qualsiasi parte del mondo possa identificarsi con il lavoro di queste due artiste.

TC: Puoi parlarci di progetti che hai curato più recentemente nel tuo spazio?
BS: Siamo al nono anno di vita del CCA e saremo al decimo l’anno prossimo.
Nel corso dell’ultimo anno abbiamo pensato a come vogliamo andare avanti, alle priorità sulle quali vogliamo lavorare.
Nel 2007, quando il CCA è stato aperto c’erano pochissime piattaforme dedicate al discorso critico e alle pratiche sperimentali; le proposte erano tutte abbastanza rigidamente incentrate su pittura e scultura.
In questo contesto c’era poco spazio per un tipo di arte che invece era al centro del nostro interesse: fotografia, videoarte, arte performativa, installazioni e qualsiasi altra forma espressiva sperimentale.
Quando abbiamo iniziato c’erano pochissime piattaforme in cui gli artisti potessero esprimere se stessi.
Ma oggi sono felice di dire che la scena artistica si è sviluppata, adesso i fotografi sono considerati una parte importante e integrante dell’arte visiva, stanno ottenendo visibilità a livello internazionale. Sempre più artisti si stanno interessando all’arte performativa e ovviamente anche alla videoarte.
A questo proposito cito l’organizzazione Video Art Network (VAN) di Lagos. È chiaro quindi che le priorità che avevamo sei, sette, otto anni fa ora non sono più così urgenti. Nel frattempo sono sorti altri spazi che trattano queste pratiche e tematiche e che forniscono piattaforme di discussione un tempo pressoché inesistenti.
Abbiamo una scena artistica dinamica, fantastica. Abbiamo pensato a cosa vogliamo fare e come vogliamo andare avanti. Il punto di partenza per il CCA non è stata la galleria, ma la biblioteca e il centro di ricerca. Nel corso degli ultimi otto anni abbiamo costruito una grande biblioteca indipendente, focalizzata sull’arte e la cultura visiva.
Vogliamo tornare a concentrarci sulla biblioteca e sviluppare il pensiero critico; vogliamo riflettere sulla storia dell’arte perché, sebbene la Nigeria sia estremamente avanzata nello sviluppo, nella pubblicazione e nella scrittura della propria storia dell’arte, la situazione non è la stessa per la maggior parte degli altri Paesi del continente.
In realtà, oltre il 95% dei testi sulla pratica artistica in tutto il continente è stato scritto nella diaspora, quindi è stato scritto fuori del continente.
Così è stato in passato e così è ancora oggi. Per me adesso questa è una questione urgente sulla quale noi, che stiamo lavorando qui ogni giorno – oserei persino dire ogni ora – dobbiamo iniziare ad articolare le nostre idee, la nostra visione, le nostre esperienze in questo preciso posto, in questo preciso momento.
Vogliamo iniziare a concentrarci sull’uso della biblioteca come punto di partenza per quello che facciamo, per le nostre mostre, le nostre conversazioni, i nostri progetti e per tutte le possibilità della programmazione.
Stiamo iniziando gradualmente, recentemente abbiamo realizzato un libro importante sul fotografo nigeriano J.D. ‘Okhai Ojeikere e una pubblicazione sull’artista del suono Emeka Ogboh. Abbiamo intenzione di pubblicare altri libri nel corso dei prossimi due o tre anni. Per noi la pubblicazione non è solo un libro ma anche una piattaforma curatoriale. In che modo possiamo iniziare a esplorare la pagina stampata come una piattaforma curatoriale in contrapposizione al white cube? In che modo possiamo andare al di là del white cube? Questo è ciò a cui sono interessata e al momento stiamo lavorando su due o tre libri. Sto iniziando una ricerca finalizzata alla realizzazione di una grande monografia su un artista più anziano. Infatti tra i nostri interessi c’è quello di realizzare importanti e sostanziali monografie su artisti moderni; la prima è stata quella sul fotografo moderno Ojeikere. Abbiamo iniziato la ricerca su Demas Nwoko, artista, architetto, pittore, scultore, designer e scenografo che quest’anno compirà ottant’anni. È un uomo con una grande conoscenza, una sorta di figura rinascimentale nell’ambito dell’arte africana. Voglio fare una monografia approfondita su questo artista estremamente importante, che è anche editore e scrittore. Il lavoro di ricerca è appena iniziato e speriamo di poter lavorare sul libro dal prossimo anno. Per la ricerca occorre un anno.
Quest’anno stiamo lavorando su un’altra artista emergente; il suo nome è Odun Orimolade e, nel 2014, ha avuto un’interessante esposizione al CCA nell’ambito dell’iniziativa “One work”. Per questo progetto invitiamo un artista a creare solo un’opera usando l’intera galleria come se fosse la sua tela.
Odun era estremamente interessata; solitamente dipinge, crea installazioni, tuttavia il disegno rappresenta una parte considerevole e sostanziale della sua pratica artistica. La sua intenzione era quella di realizzare un disegno usando tutte le pareti dello spazio della galleria. Questo progetto sarà il punto di partenza per una pubblicazione che vogliamo fare per guardare alla sua pratica nel corso degli ultimi dieci anni.
La monografia tascabile arriva in un momento cruciale nella carriera di un artista. Queste pubblicazioni, che curiamo personalmente, rappresentano un’opportunità per tracciare un bilancio del proprio lavoro. Tutto questo mi interessa molto. Il libro diventa disponibile per un pubblico più ampio che magari potrebbe non venire nello spazio della galleria del CCA. Si tratta di un documento che esiste come parte di ciò che accade dentro la scena artistica locale.
La maggior parte di questi libri sono il risultato di molti anni di discussioni e interazioni con gli artisti e con il loro lavoro, avvenute durante gli studio visit, le esposizioni al CCA o in altre gallerie.
Si tratta di un approccio inclusivo, legato al contesto locale, che si oppone a quel discorso più astratto e uniformante sull’Africa.
In questo caso invece, il discorso riguarda l’arte a Lagos, l’arte in Nigeria, l’arte in Africa occidentale, l’arte in Africa e l’arte internazionale.
Questa relazione c’è; Odun sta esponendo all’estero, l’anno scorso ha partecipato a una mostra sul disegno a New York con altri artisti.
Questa complessità, i molteplici livelli che caratterizzano la pratica artistica e il discorso artistico non vengono catturati da questo interesse onnicomprensivo sull’Africa in generale.
Questo è uno dei progetti su cui vogliamo lavorare all’interno dello spazio della galleria; al momento abbiamo una mostra sulla video arte, intitolata Videonale Lagos, e che è il risultato di una collaborazione curatoriale tra la Videonale in Germania, il Video Art Network di Lagos, il Goethe-Institut e il CCA di Lagos.
È iniziato con un laboratorio di dieci giorni con il videoartista Theo Eshetu e con l’artista nigeriano Jude Anogwih, che hanno coinvolto circa diciotto artisti di questo paese.
L’esposizione Videonale che ha seguito il laboratorio e che riunisce videoartisti internazionali e nigeriani, viene presentata in due spazi a Lagos. La mostra principale è al CCA, mentre l’altra è al Freedom Park. Questo è quello che abbiamo al momento; seguirà una mostra di fotografia itinerante in tutta l’Africa. È una mostra che è il frutto di un programma sul quale il curatore Simon Njami sta lavorando da un paio di anni.
Si tratta di una rassegna di portfolio fotografici che prevede un’esposizione dopo tre anni. Mi pare sia in corso da circa sette anni e io ne ho fatto parte per circa cinque.
Quest’anno sono stati selezionati tre artisti davvero interessanti: due provenienti dal Sudafrica e uno dal Kenya. Musa Nxumalo e il compianto Thabiso Sekgala dal Sudafrica e Mimi Cherono Ng’ok dal Kenya. La mostra è stata presentata durante la Biennale di Bamako come un progetto collaterale e ora è in Nigeria. Doveva essere presentata al Goethe-Institut, ma siccome avevamo uno spazio libero abbiamo deciso di proporla al CCA.
Sono molto contenta di presentarla perché ho lavorato a stretto contatto sia con Thabiso sia con Mimi che tra l’altro hanno anche partecipato alla mostra ufficiale della Biennale di Bamako.
Entrambi hanno preso parte al programma Àsìkò del CCA, la scuola d’arte itinerante che si sposta in tutta l’Africa per cinque settimane ogni anno.
Sono davvero felice di poterli ospitare al CCA e sono entusiasta della mostra; rappresenta un’occasione per organizzare diversi seminari e conversazioni sulla fotografia e su alcuni dei temi centrali nel lavoro di questi artisti come il viaggio.
Successivamente avremo un’altra mostra con tre giovani artisti nigeriani; si tratta di qualcosa di diverso e di cui sono davvero entusiasta perché rappresenta anche il risultato di una collaborazione con la Summer Academy di Salisburgo in Austria.
Negli ultimi tre anni abbiamo collaborato con loro nell’intento di riuscire a mandare ogni anno un giovane artista all’accademia di Salisburgo per una residenza/laboratorio di tre settimane.
Dopo la partecipazione del terzo artista l’anno scorso, abbiamo riflettuto su come procedere con questo programma e su come potessimo fare di più.
Abbiamo deciso di organizzare una mostra con i tre artisti, non tanto per esporre opere d’arte concluse, quanto per condividere il processo che hanno sviluppato durante la loro residenza, per parlare di come questa esperienza abbia influenzato il lavoro che stanno realizzando adesso.
La cosa interessante di tutto questo è che tre artisti diversi, che lavorano con media diversi, sono stati nello stesso posto in tre momenti diversi.
Penso che il nostro lavoro abbia anche una valenza educativa; quello nigeriano è un mercato dell’arte ancora emergente quindi non possiamo evitare di impegnarci con l’aspetto educativo dello sviluppo professionale.
Per loro è un’occasione per condividere le proprie esperienze e confrontarsi sui diversi modi con cui la residenza influenza positivamente la carriera di un giovane artista. Molti giovani artisti che partecipano a residenze all’estero, in paesi diversi dell’Africa e del mondo, finiscono semplicemente con il saltare da una residenza all’altra senza una visione o una strategia specifica. Di conseguenza, due o tre anni dopo, si ritrovano al punto di partenza.
A volte alcuni di loro partecipano senza sapere davvero cosa dovranno fare durante la residenza. Perché se vai in una residenza dove ti lasciano semplicemente fare le tue cose, quello potrebbe non essere l’approccio migliore. Alcuni artisti hanno bisogno di residenze dove c’è un’interazione, un contatto, un feedback, più di una o due volte. Se sei un artista più maturo invece potresti aver bisogno di una residenza dove vieni lasciato a lavorare in autonomia, perché hai già una direzione che vuoi portare al livello successivo.
Credo che questa sia un’opportunità per i tre artisti di comunicare, di condividere con i loro colleghi, la loro esperienza di residenza, se ha rappresentato – come loro stessi hanno dichiarato – un punto di svolta nelle loro pratiche artistiche.
Questa sarebbe quindi la terza mostra dell’anno. Mi piace quel processo perché si sviluppa anche a partire da un’esposizione che ho fatto due anni e mezzo fa per celebrare il settantesimo compleanno di El Anatsui, un artista riconosciuto a livello internazionale per le sue installazioni scultoree realizzate con tappi di bottiglia.
Abbiamo optato per questa scelta perché non potevo permettermi una mostra con le sue enormi opere; il nostro spazio non è così grande e anche il costo dell’assicurazione avrebbe probabilmente coinciso con il mio budget di un intero anno.
Come ci si può occupare di un artista del suo livello all’interno di questo contesto? Ho deciso di realizzare una sorta di mostra d’archivio che tracciasse la traiettoria del suo percorso, dal momento in cui ha lasciato l’università nel 1974 fino al tempo presente, utilizzando diversi materiali: schizzi, disegni, video e alcune opere che ho trovato nel suo studio.
El Anatsui ha insegnato nel dipartimento di belle arti per oltre venticinque o trent’anni all’Università della Nigeria. Ho invitato tre studenti a riflettere su quel grande aspetto della sua vita, ma siamo stati in grado di mostrare alcune delle sue prime opere. C’era un collezionista che aveva alcune opere di El Anatsui realizzate nel 1975, un anno o due anni dopo la sua laurea all’università.
Abbiamo anche esposto alcuni dei suoi pannelli di legno e, non potendo avere l’intera installazione, una piccola parte di una scultura realizzata con tappi di bottiglia. Ho pensato che non fosse necessario concentrarsi su questo aspetto, ma di concentrarci invece sul viaggio che lo ha portato dove è oggi, un aspetto che non è stato ancora affrontato a sufficienza specialmente a livello internazionale.
Così abbiamo presentato video e documentari, la musica che ascolta quando lavora, i libri che influenzano la sua pratica artistica, immagini e fotografie scattate nel corso degli anni. El Anatsui è una persona che conserva tutto; ha conservato persino tutte le buste paga, dalla prima all’ultima, per un periodo di oltre trent’anni. Così abbiamo esposto una busta paga riferibile ad ogni anno in cui ha insegnato all’Università della Nigeria.
Questa mostra con i tre studenti espone anche i materiali che utilizzano. Sono interessata a visitare tutti gli studi d’artista che posso, perché penso che il processo di realizzazione di un’opera sia molto importante. Quello che vediamo nello spazio della galleria è il risultato finale.

TC: È il risultato finale, certo.
BS: Esattamente. A volte è interessante e importante portare aspetti del processo di realizzazione dell’opera dentro lo spazio della galleria e persino guardarli come opere d’arte a pieno titolo.

TC: Bisi cosa ne pensi di questo crescente interesse, a livello internazionale, nella produzione di artisti africani?
BS: Penso che sia fantastico perché nella maggior parte dei paesi ci sono pochissime infrastrutture, opportunità di presentare il lavoro professionalmente, ci sono pochi finanziamenti, se non addirittura nessuno, per creare il tipo di lavoro che si intende realizzare.
Quindi penso che l’interesse a livello internazionale significhi che si sta in qualche modo accendendo un riflettore sul lavoro che questi artisti stanno facendo. Ci sono molti artisti che lavorano in isolamento per molti anni producendo lavori che non mostrano a nessuno.
Ad esempio quando ho scoperto il lavoro di Lucy Azubuike grazie ad El Anatsui, lei era una studentessa all’Università della Nigeria a Nsukka. Quando sono andata a vedere il suo lavoro, lei stava lavorando su una serie di opere sulle mestruazioni intitolato Menstruation Diaries. Stava lavorando a queste opere da circa sette anni e non le aveva mai mostrate a nessuno, penso che le avesse mostrate solo ad El Anatsui. È stato lui a consigliarmi di andare a conoscere quest’artista perché stava facendo un lavoro interessante. Quando vidi il lavoro ne rimasi colpita, pensai che fosse incredibile perlomeno nell’ambito del nostro contesto. Quando le domandai dove avesse esposto le sue opere, lei mi chiese cosa intendessi per “esporre le opere”, aggiungendo che non le aveva mai mostrate pubblicamente. E io le dissi che volevo esporre il suo lavoro perché è importante.
So che ci sono centinaia di artisti che, come lei, creano lavori che non mostrano. Recentemente, lo scorso anno, un’altra giovane artista fotografa mi ha chiesto un parere su una serie di lavori su cui stava lavorando perché non era certa che potessero essere mostrati pubblicamente. Quando me lo ha mostrato mi sono chiesta cosa mai ci fosse di sbagliato in quel lavoro mentre lei sottolineava che nel lavoro appariva nuda. A quel punto io dissi: “E quindi?”.
Come vedi, a volte gli artisti non sanno come fare perché operano in un contesto che non permette quel tipo di confronto. Si tratta di un contesto che non è di supporto come invece potrebbe essere; per questo è davvero importante che gli artisti possano mostrare il loro lavoro affinché non restino isolati.

TC: Se sono così isolati, da cosa trovano l’ispirazione per il loro lavoro o per diventare artisti?
BS: Quando dico isolati lo intendo rispetto a ciò che succede nel resto del mondo. Ovviamente in tutte le culture l’arte è sempre esistita. Isolati nel senso che in alcuni paesi potresti non trovare piattaforme per il confronto; mentre quando esistono si concentrano solo sulla pittura e su immagini gradevoli. Questa, come ho detto, è una delle ragioni che mi ha spinto a istituire il CCA. Volevo che gli artisti più sperimentali avessero una piattaforma dove potessero lavorare, parlare del lavoro e di varie tematiche senza temere di essere giudicati.
Quando decisi di organizzare “Like a virgin” alcune persone, vedendo i lavori, mi chiesero se fossi sicura di esporre quel lavoro. La mia risposta fu: “Ma come?”. C’è tutta questa intolleranza religiosa in forte crescita. Quando abbiamo inaugurato la mostra ero spaventata, davvero spaventata, perché l’omosessualità è illegale in Nigeria. È stata votata una legge due anni fa, di recente. Mentre organizzavo questa mostra nel 2008 (n.d.r.: la mostra si è tenuta a inizio 2009) non pensavo alle leggi o a cose del genere, stavo solo facendo il mio lavoro e mostrando grandi artisti. Ma poi ho fatto alcune ricerche per capire cosa comportasse mostrare questo lavoro, il lavoro di Zanele. E lì ho capito che avrei potuto essere arrestata, che lo spazio avrebbe potuto essere chiuso e sono stata presa un po’ dal panico, ovviamente.

TC: E cosa è successo? È stato fatto qualcosa contro la mostra?
BS: No, no, non è successo niente, ma quello è il contesto in cui stavo lavorando.

TC: Magari è venuto qualche politico?
BS: No, niente. I politici non sono molto interessati all’arte. E in un certo senso è fantastico che non lo siano così possiamo fare queste mostre, ma è anche problematico perché significa che non sostengono l’arte. Del resto ogni cosa buona ha anche un risvolto negativo.

TC: Hai detto che i politici non sono coinvolti, come sostenete il vostro lavoro?
BS: Attraverso finanziamenti internazionali; ci rivolgiamo a fondazioni che sostengono la pratica culturale in Africa, in Asia e in America Latina. C’è il Prince Claus Fund, il British Council, il Goethe-Institut e l’Institut Français. Se si tratta di un artista americano possiamo lavorare con l’ambasciata americana, il dipartimento culturale; ci sono un paio di ambasciate che aiutano con la programmazione culturale. Quindi a volte va bene e a volte invece non ci sono finanziamenti. Ho questo programma in corso, ma non so nemmeno quando e se sarà finanziato. Lavoriamo in una situazione molto precaria, ma abbiamo avuto momenti in cui siamo stati molto ben finanziati e siamo stati in grado di fare grandi mostre. Ad esempio abbiamo organizzato The progress of love dove abbiamo collaborato con la Menil Collection e quella è stata un’ottima esperienza. In quell’occasione c’erano persino finanziamenti per la realizzazione di nuovi lavori quindi è stato bello.

TC: E lo spazio? Viene fornito dalle istituzioni pubbliche o dovete affittarlo?
BS: No, quando dico che il governo non supporta niente, intendo proprio assolutamente niente. Per lo spazio cerco i finanziamenti attraverso mecenati e a volte generiamo un po’ di entrate se vendiamo un’opera. Per questo devo solo andare avanti, trovare strategie.

TC: È stata una tua idea quella di istituire questo spazio?
BS: Sì.

TC: Sei stata molto coraggiosa.
BS: Sono davvero fortunata perché ho colleghi davvero coinvolti nel lavoro; abbiamo tutti in qualche modo la stessa visione di ciò che deve essere fatto e andiamo semplicemente avanti, il che è davvero fantastico. Inoltre ci divertiamo, abbiamo imparato molto e siamo anche cresciuti. È davvero fantastico.

TC: Okay, Bisi. Penso che tu sia stata molto generosa con me, grazie.
BS: Prego, grazie mille.

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