Testo in italiano in basso
An experimental conversation with Hans-Ulrich Obrist. a conversation in progress…
Chapter 4/7: Is contemporary art a self-referential microcosm?
By Tiziana Casapietra
Hans-Ulrich Obrist (born 1968) is an art curator, critic and historian of art. He is Co-director of Exhibitions and Programmes and Director of International Projects at the Serpentine Galleries, London.
Conversation transcription
Tiziana Casapietra: The contemporary art scene has always been accused to be a self-referential and radical-chic microcosm, which is very much disconnected from the wider audience. What do you think about it?
Hans-Ulrich Obrist: I think it’s completely wrong. The contemporary art world is, has always been, my favourite world. I remember when I started in the late eighties, early nineties, I’ve just done my “Kitchen Show” and I went to Hamburg and met the young Carsten Höller.
And Carsten had just started to work as an artist or to sort of shift from science. He studied and started already to teach science and somehow started to shift from science into art. I have been in the art already for many years, because before starting to do my first exhibitions in the kitchen, in the monastery and in the Nietzsche Haus in Sils Maria (Switzerland), I somehow was in this “grand tour” for many years and travelled in the art world and make research.
And I was wondering if maybe the art world is too narrow and if I had to go into some other worlds to have a more expanded notion of curating.
I remember very well that Carsten told me, in this conversation, that he really believes that we should stay in the art world because the art world has this immense possibility of bringing all the other worlds together with art and create this dialogue.
I think he was right and I’m very happy to have followed his advice and stayed in the art world. I was always connecting the art world, daily, as my great passion is to connect the art world to all of these other worlds and other disciplines.
Harald Szeemann always thought that the curator is a generalist. I think the curator’s role is to build many bridges, it’s not only to build the high-way, it’s not only to build one big bridge which connects the exhibition to the visitors and where you have crowds come to the exhibitions.
That is all part of it, but it is very much more complex than that. It is this idea of the passerelle, the pedestrian bridge, there are many small bridges that the curator builds, to many different visitors, to many different communities, to all possible communities.
That is the idea of connecting all these worlds. I think it has also to do with the format of the exhibition, that is actually what I wanted to add here. Regarding your question, Tiziana, about the art world being self-referential and closed, I think the format of the exhibition is extraordinarily open, even with its limits. It sometimes lacks connection as Margaret Mead says and Dorothea Von Hantelmann says, we need to create more connections.
Even within these limits, the exhibition format is an extraordinarily liberal format; it’s a format which allows – much more than any other format – to really be flexible and to work with all kind of different times and spaces.
And I think this idea that we can, with exhibitions, have a film which lasts a minute or we can have a film which lasts a year, is of course very different from the logic of the film world. In order to enter a competition in a big film festival, a film needs to be more or less ninety minutes, it is a prescription. In the format of the exhibition we are very free to work with time and space – to distort time and space – and it is also why so many film makers, theatre directors, architects, scientists, more and more come to the format of the exhibition.
It started already with Jean-François Lyotard, the French philosopher who after having written many books decided to curate “Les Immatériaux”, a very influential exhibition which I have studied a lot, which happened in the mid-eighties at Centre Georges Pompidou.
Lyotard decided to devote many months of his work to do something which goes beyond the book. I always wanted to do an exhibition with Gilles Deleuze. One of my big unrealized project is to get Deleuze to curate an exhibition, it was unfortunately too late, because he was very ill when I wanted to propose this to him, so it didn’t happen. But this idea of Deleuze to curate an exhibitions which would go from Mille Plateaux with Félix Guattari into space it would be very fascinating.
I think of a lot of philosophers, from Lyotard to more recently Bruno Latour. We brought Bruno Latour into the world of exhibitions through “Laboratorium”, with “Theatre of Proof”. He enjoyed that experience so much that he then continued to curate shows with Peter Weibel, like “Iconoclash” and “The Parliament of Things”. The same thing is true for film markers; we brought Agnès Varda into the “Utopia Station” with Molly Nesbit and Rirkrit Tiravanija. I always remember the day when Agnès Varda arrived in Venice disguised as a potato doing a performance in a “Patate Utopia” installation, connecting the “Utopia Station” to a “Potato Utopia”, connecting to agriculture, to food, having this huge quantity of potatoes in the space, having her multiple screen projections.
She told me: “This is an experiment”. She could not make it in the cinema world, whether there are cinemas, there are festivals, it’s much more prescribed. So she said that’s really what she wanted to explore more; therefore since this experience, Agnès has spent a lot of time in the whole of the exhibition. This is true for many film makers, it’s true for many architects as well.
I think this idea also of the temporary, the idea of the limited life-span of an exhibition, the temporary experiment allows architects to do experiments they could never do in more permanent set-ups.
So I really do believe that it is the opposite.
To be continued…
@@@
Una conversazione sperimentale con Hans-Ulrich Obrist: la conversazione continua
Capitolo 4/7. L’arte contemporanea è un microcosmo autoreferenziale?
di Tiziana Casapietra
Hans-Ulrich Obrist (nato nel 1968) è un curatore d’arte, critico e storico dell’arte. È co-direttore di Mostre e Programmi e Direttore di Progetti Internazionali presso le Serpentine Galleries, Londra.
Tiziana Casapietra: L’arte contemporanea è sempre stata accusata di essere un microcosmo autoreferenziale e radical-chic, lontana dal grande pubblico. Qual è il tuo pensiero a riguardo?
Hans-Ulrich Obrist: Penso che sia completamente sbagliato. Il mondo dell’arte contemporanea è – è sempre stato – il mio mondo preferito. Ricordo che quando iniziai a curare mostre, alla fine degli anni Ottanta, primi anni Novanta – avevo appena realizzato “The Kitchen Show”, andai ad Amburgo e incontrai il giovane Carsten Höller. Carsten aveva già iniziato a lavorare come artista o in un certo qual modo ad allontanarsi dalla scienza. Aveva compiuto studi scientifici e aveva già iniziato a insegnare, ma stava anche iniziando a spostarsi dalla scienza verso l’arte.
Lavoro nel mondo dell’arte da molti anni. Prima di iniziare a realizzare le mie prime mostre, come quelle in cucina, al monastero e nella Casa di Nietzsche a Sils Maria (Svizzera), per molti anni sono stato impegnato in una sorta “grand tour”, viaggiando nel mondo dell’arte e facendo ricerca.
In quegli anni mi chiedevo se magari il mondo dell’arte fosse troppo chiuso e se dovessi frequentare ambiti disciplinari diversi per acquisire una conoscenza più estesa dell’attività da curatore.
Ricordo molto bene che durante il nostro incontro Carsten mi disse di essere fermamente convinto che dovessimo restare nel mondo dell’arte; l’arte ci permette di avvicinare altri mondi con cui creare un dialogo. Penso che avesse ragione e sono molto felice di aver seguito il suo consiglio e di essere rimasto nel mondo dell’arte.
Ho sempre creato connessioni con il mondo dell’arte, quotidianamente, perché la mia grande passione è proprio quella di connettere il mondo dell’arte a tutti gli altri mondi e alle altre discipline.
Harald Szeemann ha sempre pensato che il curatore fosse un generalista. Personalmente credo che il ruolo del curatore sia quello di costruire molti ponti. Il suo compito non è solo di costruire la strada principale, un grande ponte in grado di connettere la mostra ai visitatori avendo come fine quello di portare il grande pubblico a visitare l’esposizione.
Anche questo certamente fa parte del ruolo del curatore, ma a mio avviso il suo compito è molto più complesso e articolato. È questa idea della passerelle, di ponte pedonale; i curatori costruiscono tanti piccoli ponti con l’intento di avvicinare visitatori differenti, comunità differenti, e collegarsi a tutte le comunità possibili. È questa l’idea di connettere tutti i mondi. E penso che tutto ciò abbia a che fare con il formato della mostra, ed è proprio quanto volevo aggiungere qui.
In merito alla tua domanda riguardo al mondo dell’arte autoreferenziale e chiuso, penso invece che, pur con tutti i suoi limiti, il format della mostra sia straordinariamente aperto. A volte manca di connessione, come hanno detto Margaret Mead e Dorothea Von Hantelmann, e certamente dobbiamo creare più connessioni. Ma anche all’interno di questi limiti, il format della mostra è un format estremamente liberale; è un format che permette – molto più di qualsiasi altro format – di essere davvero flessibile e di lavorare con tempi e spazi diversi.
Le mostre ci permettono di avere film che durano un minuto o un anno, e questo ovviamente diverge moltissimo dalla logica che domina nel mondo del cinema. Per essere ammesso a un concorso o a un grande film festival, un film deve durare più o meno novanta minuti, questa è una regola fissa. Nel format della mostra siamo liberi di lavorare con il tempo e con lo spazio – possiamo distorcere il tempo e lo spazio – ed è anche per questo che così tanti registi, direttori di teatro, architetti e scienziati, sempre più spesso si avvalgono del format della mostra.
Questa tendenza iniziò già con Jean-François Lyotard, il filosofo francese che dopo aver scritto molti libri decise di curare “Les Immatériaux”, una mostra importante che ho studiato a lungo e che si tenne intorno alla metà degli anni Ottanta al Centre Georges Pompidou. Lyotard decise di dedicare molti mesi del suo lavoro a costruire qualcosa che andasse oltre il libro.
Ho sempre desiderato realizzare una mostra con Gilles Deleuze. Uno dei miei grandi progetti irrealizzati era proprio quello di coinvolgere Deleuze nella curatela di una mostra; ma quando ho pensato di proporglielo, era sfortunatamente troppo tardi, perché lui era già molto malato. Così, purtroppo, questo progetto non vide mail la luce. L’idea di coinvolgere Deleuze nella curatela di una mostra sviluppata nello spazio a partire dal volume Millepiani – nato dalla collaborazione con Félix Guattari – era molto affascinante.
Penso a molti filosofi, da Lyotard a più recentemente Bruno Latour. Portammo Bruno Labour nel mondo delle mostre tramite “Laboratorium”, con “Theatre of Proof”. Gli piacque talmente tanto questa esperienza che continuò a curare mostre con Peter Weibel, come “Iconoclash” e “The Parliament of Things”.
La stessa cosa è avvenuta con alcuni registi: portammo Agnès Varda nella “Stazione Utopia” realizzata con Molly Nesbit e Rirkrit Tiravanija.
Ricordo sempre il giorno in cui Agnès Varda giunse a Venezia travestita da patata per la performance che tenne all’interno dell’installazione “Patate Utopia”. Connettendo la “Stazione Utopia” con la “Patate Utopia”, l’arte si è connessa all’agricoltura e al cibo, in uno spazio caratterizzato da una grande quantità di patate e da proiezioni su schermi multipli.
Agnès mi disse che non avrebbe mai potuto realizzare questo esperimento nel mondo del cinema. Sia che si tratti di cinema o di festival, le regole sono sempre molto rigide. Mi disse che finalmente poteva sperimentare e questo era davvero ciò che lei desiderava; da quella esperienza, infatti, Agnès ha iniziato a trascorrere molto tempo all’interno di mostre. Tutto ciò è capitato con molti registi e con molti architetti. Penso che la temporaneità, l’idea della durata limitata della mostra, la sua provvisorietà, permetta agli architetti di realizzare esprimenti che non potrebbero mai essere effettuati in situazioni che richiedono progetti permanenti.
Quindi, ritornando alla tua domanda, credo che l’arte non sia un microcosmo autoreferenziale ma esattamente il contrario.
La conversazione continua…
The other chapters / Gli agli altri capitoli /
© radicate