Testo in italiano in basso
An experimental conversation with Hans-Ulrich Obrist: the conversation in-progress…
Chapter 5/7: When have you seen the last time a centipede? Talking about Extinction.
By Tiziana Casapietra
Hans-Ulrich Obrist (born 1968) is an art curator, critic and historian of art. He is Co-director of Exhibitions and Programmes and Director of International Projects at the Serpentine Galleries, London.
Transcription of the conversation
Tiziana Casapietra: In order to participate in the Creative Europe 2014-2020 calls for proposals, it is asked to work in the direction of involving different audiences in order to reach people not that familiar with the world of culture. What do you think about it?
Hans Ulrcih Obrist: Yes, absolutely, your question about involving different audiences. We are just going to the Marathon next week, it is the ninth Marathon. When I joined the Serpentine Gallery in 2006, and Julia Peyton-Jones, the director, and I, as the co-director, started our collaboration. One of the first thing we came about, was to combine the Pavilion and the Marathons. Julia invented in 2000 this idea of a Pavilion, this idea of bringing architects into the contest of an art institution, inviting them every year to design a Pavilion in front of the Serpentine, on this small piece of land, and completely reinvent it every year. So it’s almost like building a new wing every year, it is actually more than that, it is like building a new institution every year, adding a new Serpentine every year, for the summer months from June to October, and defining the content, all the meaning and the necessity, of what such a new institution means. It is not just like when you have runs every ten or twenty years, an expansion or change the architecture, no no, it’s an annual rotation, it’s an annual invention. I came up with this idea of the Marathon, which has to do a lot with your previous question of how we can avoid that the art world only looks on itself, how we can keep it more open, and how we can create a sort of an environment where all the fields connect. The Marathon, as a format, was originally a knowledge festival. I came to this idea in 2005 in Stuttgart, in the Theater der Welt festival there, with the late Marie Zimmermann and Christine Peter who invited me to experiment in a theater festival with time.
I said, you know I do this conversations, maybe we could do a non-stop conversation, and I would sort of try to make a portrait of a city, and it’s almost impossible to make a synthetic portrait of the city. Oskar Kokoschka, the Austrian painter, already talked about this early in the 20th century, when he said that “whenever you paint a city, the moment it is painted on the canvas, the city has already changed.” So it is almost impossible to actually have the complexity of the city, he is almost like forbidding this idea of a synthetic image of a city.
It’s very interesting to think how we could do a very polyphonic portrait of a city like Stuttgart, that’s where it started, in 2005, by bringing all these different disciplines, experiences, intensities, and protagonists together and starting a conversation.
When then in 2006, we started the Serpentine collaboration, Julia and I invited Rem Koolhaas to do the Pavilion, he developed it as a Speech Bubble as Cedric Price, in a almost like new form of aviary, because the Pavilion could actually fly potentially out of the park, could let-in fresh air, it could go up and down, on sunny days it could go up, then it could be a shelter. And in this sort of “speech bubble conversation architecture,” we developed the first Marathon in London in 2006. It was actually an infinite conversation, we made through 72 interviews, the portrait of London was thus ended up after 24 hours, with Doris Lessing who told us about the world being at the precipice, it was incredibly moving, and it also became then a book, the idea of what would be London in 2006.
The next year we had Olafur Eliasson who designed the Pavilion with Snøhetta, Kjetil Thorsen. He felt that we have talked enough and it would be the moment to do things. In a follow-up to “Laboratorium,” he proposed that we do the “Experiment Marathon” so we invited about sixty practitioners to do an experiment in public. So there, something interesting happened, because the Marathon in a way became a group-show as well, it was no longer just a conference, or a symposium, or an interview marathon, but it became, as one could say, a group-show where every artist, scientist has 15 minutes instead of space… Normally with a group show you give an artist walls and space, here we gave the artist time and it led to this series of performances and experiments made in public collaboration also with edge.org.
All of these Pavilions then evolve, and all of these Marathons evolve, and now we are at year 9. Basically it is the ninth Marathon for this Pavilion, it’s the Pavilion of Smiljan Radić of Chile and, in this context, there will be the Marathon with Gustav Metzger, so we again collaborate with an artist. Gustav Metzger who says that extinction is really a very urgent topic because we have more species which disappear. Obviously the focus goes on the very well-known examples like the panda, but there are so many other species, like A.S. Byatt asked the other day, when have we last seen a centipede?
I thinks that it is a very interesting question to everyone who would watch this interview. When have you seen the last time a centipede? It’s the question of A.S. Byatt. There are many more small organisms which disappear more, and it is not only species, it is also culture, it is languages. We can for example also see hand-writing: hand-writing is on the brink of extinction, less and less people use hand-writing and there is a whole generation growing up with the internet and, obviously, this generation which we are mapping with Simon Castets in the 89plus research is an extraordinary generation. It is a whole new generation of artists, poets, technologists emerging now, born after 89, and to look at their work is very very exciting, we try to gather it on the website through conferences, through events, and exhibitions. What we can see, in that generation, is that for a generation who grew up with internet, hand-writing plays a less big role. And it is even more so for children now who barely use hand-writing.
Umberto Eco wrote a text some years ago that hand-writing is at risk and that we have to do something about it. So I felt that it could be great to not only talk about it in the contest of the Extinction Marathon where Gustav Metzger developed an extinction hand-writing, a very specific type of hand-writing. But I also thought it would be interesting to kind of do a movement on Instagram and Twitter where I would post, every day, an hand-written sentence by an artist, a scientist, or architect, to celebrate the diversity of hand-writing.
The fact is that your hand-writing, my hand-writing is never the same, two people never have the same hand-writing: if you take a thousand people there are a thousand different forms of hand-writings. But that is only one aspect of this topic of extinction. There is also the disappearance of languages, the disappearance of culture, that will be all discussed in these two days of the Extinction Marathon.
To come back to your question, what does it all mean in relation to different audiences? So obviously when you have an architecture conference, you have got mostly the architecture crowd who would come, when you have an art lecture talk the art world would come, for science it is the sciences community. And I think it’s very important to mix it, to completely mix it. The Marathons are kind of a way to mix it all, because you have got a scientist to speak, an artist to speak, and we are not creating this knowledge ghettos, we are basically mixing all the different fields. So the result is that very often visitors, audience who come to see a performance by an artist would stay there for the presentation of a mathematician, who then stay for a talk by a technologist. So, little by little, it’s not only bring together, making junctions between these different practitioners, but it is also making junctions between all these different audiences. Building more of these passerelles.
I think it was Félix Fénéon who talked about this idea. Félix Fénéon the french anarchist friend of Georges Seurat and Toulouse-Lautrec, and a great writer. He wrote – and this was a great inspiration also for my idea of curating – Fénéon wrote about this idea of the passerelles, we have to build passerelles, we have to build many many passerelles.
And that is obviously also true for exhibitions, I believe a lot in this idea of Gilbert & George of “Art for All,” indeed we have free admission at the Serpentine. We are in a park, in the park we have free admission. It is very important that no one is excluded and in this sense even more bridges are built. This idea also of connecting… It’s again also the question of how can curating be urbanism, how can it connect to the city, how can it bring things together in a city. Some years ago at the Serpentine with Julia Peyton-Jones and Sally Tallant, our then head of programs, and our teams, it was about 6-7 years ago, we realized that there is no connection between the Serpentine and Kensington Gardens and the very nearby Edgware road which is only a few minutes away. And the Edgware road has an extraordinary history of the middle-east, there are many many layers… I mean it is very much what Édouard Glissant describes, it’s many archipelagos, it’s an incredible complex urban tissue, history of many communities. And we felt that it would have been very interesting to kind of, all of the sudden, in the context of the Serpentine, create an awareness for this Edgware road, but also in the Edgware road have residencies and use the street as a Serpentine project. So the Edgware road’s Project has now been developing with residences for artists from Beirut and Cairo, and at the same time bringing artists from London to Beirut and Cairo. In a way it’s again, as initially discussed, it’s a project which now took 6-7 years. These things are slow, they take time, it is the opposite of the “Fly-in, Fly-out” curating, it’s how can we create connection.
To be continued…
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Una conversazione sperimentale con Hans-Ulrich Obrist: La conversazione continua
Capitolo 5/7: Quando hai visto l’ultima volta un millepiedi? Parliamo di Estinzione.
di Tiziana Casapietra
Hans-Ulrich Obrist (nato nel 1968) è un curatore d’arte, critico e storico dell’arte. È co-direttore di Mostre e Programmi e Direttore di Progetti Internazionali presso le Serpentine Galleries, Londra.
Tiziana Casapietra: Per partecipare al programma Europa Creativa 2014-2020 è richiesto di operare nel tentativo di coinvolgere un pubblico differenziato e di raggiungere persone che hanno poca familiarità con il mondo della cultura. Cosa ne pensi?
Hans-Ulrich Obrist: Riguardo alla tua domanda sul coinvolgimento di un pubblico diversificato, stiamo per realizzare una Maratona la settimana prossima, la nona per l’esattezza. Quando nel 2006 ho iniziato a lavorare alla Serpentine Gallery e, in qualità di condirettore ho iniziato la mia collaborazione con la direttrice Julia Peyton-Jones, una delle prime idee è stata quella di combinare il Padiglione e le Maratone. Nel 2000 Julia aveva avuto l’idea del Padiglione. L’intenzione era quella di coinvolgere gli architetti nel contesto di un’istituzione artistica, invitandoli a progettare ogni anno un Padiglione posizionato in un piccolo appezzamento di fronte alla Serpentine, da reinventare completamente ogni anno. È come costruire una nuova ala ogni anno, ma è forse anche più di questo: è come costruire una nuova istituzione ogni anno, aggiungere una nuova Serpentine ogni anno. Per i mesi estivi, da Giugno a Ottobre, siamo quindi impegnati alla ridefinizione dei contenuti, del significato e delle necessità che questa nuova istituzione comporta. Non è come avviare un’espansione o un cambiamento nell’architettura ogni dieci o venti anni, no, si tratta di una rotazione annuale, un’invenzione annuale.
Quest’idea della Maratona ha molto a che fare con la tua precedente domanda su come evitare che il mondo dell’arte guardi solo a se stesso, come si possa renderlo più aperto e come si possa creare un ambiente in cui tutti i campi siano connessi.
La Maratona, come format, è nata originariamente all’interno di un festival teatrale. Arrivai a questa idea nel 2005 a Stoccarda, durante il festival Theater der Welt, quando Marie Zimmermann e Christine Peter mi invitarono a sperimentare con il tempo in un festival teatrale. Ho detto loro: “Sapete che io lavoro a queste conversazioni… Forse potremmo organizzare una conversazione non-stop con cui provare a elaborare il ritratto della città”. Ma è quasi impossibile realizzare il ritratto sintetico di una città. Il pittore austriaco Oskar Kokoschka ne aveva già parlato agli inizi del ventesimo secolo, quando disse che ogni volta che si dipinge una città, nel momento stesso in cui è ritratta sulla tela, è già cambiata. Quindi è praticamente impossibile ritrarre la complessità di una città, e in qualche modo è come se lui avesse vietato la stessa idea di immagine sintetica della città.
È molto interessante riflettere su come si possa ottenere un ritratto polifonico di una città come Stoccarda. Così, nel 2005, abbiamo iniziato raccogliendo insieme le diverse discipline, esperienze, intensità e protagonisti con l’intenzione di iniziare una conversazione.
Quando poi nel 2006 abbiamo cominciato la collaborazione con la Serpentine, Julia ed io abbiamo invitato Rem Koolhaas per la realizzazione del Padiglione. Lui lo ha immaginato come una sorta di bolla, una bolla per i discorsi, paragonabile a Cedric Price, come una nuova forma di voliera. Infatti il Padiglione potenzialmente potrebbe anche volare fuori dal Parco, far penetrare l’aria fresca, muoversi in su e in giù. Nei giorni di sole può salire e diventare un riparo. E in questa sorta di architettura a forma di bolla dedicata alla conversazione, nel 2006 abbiamo realizzato la prima Maratona a Londra. Si è trattato di una conversazione infinita che ha delineato, attraverso 72 interviste e in 24 ore, il ritratto di Londra. Ricordo che Doris Lessing aveva descritto il mondo sull’orlo di un precipizio: è stato incredibilmente commovente. In seguito tutto questo è diventato un libro che contiene il ritratto della città di Londra nell’anno 2006.
L’anno seguente abbiamo avuto Olafur Eliasson che ha disegnato il padiglione con Snøhetta, Kjetil Thorsen. Ha pensato che si fosse parlato abbastanza e che fosse giunto il momento di “fare”. In una sorta di continuazione con “Laboratorium”, ha proposto di realizzare una Maratona dell’Esperimento e così abbiamo invitato circa sessanta professionisti ad eseguire degli esperimenti davanti al pubblico. In questo modo è accaduto qualcosa di interessante: la Maratona è diventata una sorta di esposizione collettiva. Non si trattava più solo di una conferenza, di un simposio o di una Maratona di Interviste; è diventata una sorta di esposizione collettiva in cui ogni artista e scienziato aveva a sua disposizione, anziché uno spazio fisico, 15 minuti di tempo. Normalmente durante una collettiva ad ogni artista viene assegnata una parete e uno spazio, qui invece abbiamo assegnato un tempo. Ne è conseguita la realizzazione di una serie di performance e di esperimenti eseguiti in pubblico in collaborazione con edge.org.
Tutti questi Padiglioni, così come tutte queste Maratone, si sono evoluti e ora siamo al nono anno. Il Padiglione per questa nona edizione è ideato dal cileno Smiljan Radic ed è qui che si svolgerà la Maratona con Gustav Metzger, si tratta ancora una volta della collaborazione con un artista. Secondo Gustav Metzger l’estinzione è l’argomento più urgente in questo momento, a causa delle molte specie che stanno scomparendo. Ovviamente il pensiero corre al ben noto esempio del panda, ma ci sono molte altre specie in via di estinzione. A.S. Byatt l’altro giorno ci ha domandato quale fosse l’ultima volta che abbiamo visto un millepiedi. Penso sia una domanda interessante per chiunque voglia ascoltare questa intervista. Quando avete visto l’ultima volta un millepiedi? Questa è la domanda di A.S. Byatt.
Ci sono molti organismi più piccoli che stanno scomparendo, e non si tratta solo di specie ma di culture, di linguaggi. Prendiamo ad esempio la scrittura a mano. L’attività di scrivere a mano è in via d’estinzione, sempre meno persone scrivono a mano. Abbiamo un’intera generazione che sta crescendo con internet, una generazione che stiamo mappando con Simon Castets, nell’ambito della ricerca di 89plus, una generazione straordinaria.
Si tratta di un’intera nuova generazione emergente costituita da artisti, poeti, tecnici, nati dopo il 1989. Guardare il loro lavoro è davvero eccitante, e stiamo cercando di raccoglierlo in un sito web attraverso conferenze, eventi, mostre. In questa generazione possiamo riscontrare che, crescendo con internet, la scrittura a mano ha iniziato a ricoprire un ruolo ben poco importante. Questo vale ancora più per i bambini che a malapena la usano.
Umberto Eco qualche anno fa ha scritto un testo in cui diceva che lo scrivere a mano sta scomparendo e che occorre fare qualcosa in proposito. Così ho pensato che sarebbe stato grandioso non solo parlarne nel contesto della Maratona dell’Estinzione, dove Gustav Metzger ha lavorato su una specifica forma di scrittura a mano estinta, ma ho anche pensato che sarebbe stato interessante dare vita a un movimento attraverso Instagram e Twitter. Ogni giorno avrei potuto postare una frase scritta a mano da un artista, uno scienziato o un architetto, per celebrare le diversità della scrittura a mano.
Il fatto è che la mia calligrafia e la tua non sono mai uguali, due persone non avranno mai la stessa calligrafia: se prendi mille persone avrai mille forme di scritture diverse. Ma questo è solo uno degli aspetti legati all’argomento estinzione. C’è anche la scomparsa dei linguaggi, delle culture: tutto questo sarà oggetto di discussione in questi due giorni della Maratona dell’Estinzione.
Per tornare alla tua domanda, cosa significa tutto questo in relazione a pubblici diversi? Quando si organizza una conferenza sull’architettura si richiama un pubblico di architetti, quando si organizza una conferenza sull’arte partecipa il mondo artistico, con una conferenza sulla scienza arriva la comunità scientifica. Penso sia molto importante mischiare tutti questi mondi, unirli.
Le Maratone sono un modo per metterli insieme, invitando a parlare uno scienziato e un artista si evita di creare il ghetto della conoscenza. Mescoliamo tutti i campi della conoscenza e il risultato è che gli spettatori che vengono a vedere la performance di un artista alla fine restano anche per la presentazione di un matematico e per l’intervento di uno scienziato. Ma non si tratta solo di riunire e creare collegamenti fra questi professionisti, ma di unire i rispettivi pubblici, creare qualcosa di più di una passerelle. Credo fosse Félix Fénéon a parlare di questo concetto. L’anarchico francese, amico di Georges Seurat e Toulouse-Lautrec e grande scrittore. Questa sua teoria è stata di grande ispirazione anche per il mio lavoro di curatore. Fénéon ha scritto sul concetto di passerelle dicendo che dobbiamo costruire molte passerelle.
Inoltre credo molto anche in questa idea di Gilbert & George di un'”Arte per tutti” e infatti alla Serpentine Gallery l’ingresso è gratuito. È molto importante che nessuno sia escluso e in questo senso sono stati costruiti molti ponti. Questa idea di connessione… Ancora una volta torna la domanda su come la curatela possa collegarsi all’urbanistica, come possa connettersi alla città, contribuire alla città.
Circa sei, sette anni fa alla Serpentine Gallery con Julia Peyton-Jones e Sally Talent, a quel tempo a capo dei programmi, e tutto il nostro gruppo di lavoro, ci siamo resi conto che non c’era alcun collegamento tra la Serpentine, i Kensington Garden e la vicina Edgware Road che è a solo a pochi minuti da noi. Edgware Road è una strada con una straordinaria storia mediorientale, ci sono così tanti strati. È molto simile agli arcipelaghi descritti da Édouard Glissant, è un incredibile insieme di tessuto urbano, storia e varie comunità. Abbiamo quindi pensato che sarebbe stato molto interessante, all’improvviso, nel contesto della Serpentine, contribuire a costruire una consapevolezza di questa Edgware road, realizzando residenze d’artista e utilizzando questa strada come un progetto della Serpentine.
Il “Progetto Edgware Road” si sta sviluppando e ora stiamo sia organizzando residenze per artisti provenienti da Beirut e da Il Cairo sia portando artisti di Londra a Beirut e a Il Cairo. È un progetto che va avanti ormai da sei, sette anni. Queste realizzazioni sono lente, prendono del tempo: come vedi è l’opposto della concetto curatoriale di “Fly-in, Fly-out”, ed è così che si possano creare collegamenti.
La conversazione continua…
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